8 skvělých ženských sochařů, které musíte znát

Po staletí se umělkyním nedostávalo velké podpory. To bylo často vysvětlováno údajnou neschopností žen konkurovat mužské kreativitě. Zejména socha byla považována za mužskou formu umění, protože vyžadovala fyzickou práci. Ignorování jejich úspěchů nezabránilo všem sochařkám vytvářet úžasné a inovativní práce. Níže je osm velkých jmen sochařek, které si zajistily své místo v dějinách umění.

1. Camille Claudel: Zapomenutá sochařka (1864 – 1943)

Narodil se v dobře situované farmářské rodině, Camille Claudel projevoval zájem o sochařství již od útlého věku. Ačkoli její matka, konzervativní křesťanka, namítala Camilleovu touhu studovat, její otec přestěhoval jejich rodinu do Paříže, aby se jejich dcera mohla stát jednou z prvních žen, které ve Francii získaly profesionální umělecké vzdělání. Camille, vášnivá čtenářka, čerpala inspiraci z mýtů, legend, populárních románů a publikací o filozofii. Její jedinečný umělecký talent si rychle všimli obdivovatelé umění a sběratelé.

Zatímco Claudelova kariéra byla na vzestupu, její duševní zdraví se zhoršovalo, z velké části kvůli jejímu emocionálnímu a hrubému vztahu s dalším legendárním sochařem, Auguste Rodin . Její matka, která stále nesouhlasila s Claudelovou kariérou, se rozhodla vzít věci do vlastních rukou a násilně umístit svou dceru do psychiatrického ústavu. Velká umělkyně stráví posledních třicet let svého života v naprosté izolaci a na desítky let po své smrti upadne do temnoty. Po léta byla zmiňována pouze jako múza a milenka Augusta Rodina. V posledních desetiletích však historici umění začali zdůrazňovat jedinečnost Claudelova stylu a dovednosti.

2. Edmonia Lewis (1844 – 1907)

Edmonia Lewisová byl prvním umělcem afroamerického a indiánského původu, který dosáhl mezinárodní slávy navzdory bariérám rasy a třídy. Lewis ztratil oba rodiče předčasně a postaraly se o ni její tety. I ona musela odmala pracovat. Živila se prodejem vyšívaných oděvů. Poté, co se jejímu bratrovi podařilo vydělat dost peněz během zlaté horečky, zaplatil Edmonii Lewisové vzdělání na Oberlin College v Ohiu. Oberlin byl známý jako liberální instituce s dominantními abolicionistickými názory, která prosazovala koedukaci namísto segregace.

Progresivní fasáda však Lewisové nepomohla dokončit její vzdělání. V roce 1962 jako americká občanská válka pokračovala, byla křivě obviněna z otrávení dvou svých bílých spolužáků. Ani prokázání její neviny u soudu Edmonii nezachránilo před násilným bitím rozzuřeným rasistickým davem místních obyvatel. Následovalo její vyloučení z vysoké školy.

Edmonia Lewisová pokračovala ve studiu sama. Její první finanční úspěch se dostavil, když začala vytvářet busty slavných abolicionistů, kteří prohráli válku. Její skutečné úspěchy však začaly v 70. letech 19. století, kdy se přestěhovala do Evropy a usadila se v Římě. Poté, co tam vystudovala klasické sochařství, vytvořila svá nejslavnější díla, včetně dramatických Smrt Kleopatry .

3. Niki de Saint Phalle (1930 – 2002)

Niki de Saint Phalle Svou uměleckou kariéru zahájila v 50. letech 20. století, kdy byl poválečný svět obzvláště nepřátelský vůči ženám, které odmítaly tradiční role. Narodila se ve Francii do rodiny francouzsko-amerických bankéřů, ale zámožná výchova nepřinesla do života aspirující umělkyně mnoho radosti. Niki de Saint Phalle a její sourozenci od svých raných let trpěli fyzickým, emocionálním a sexuálním zneužíváním ze strany svých rodičů. Aby unikla své rodině, provdala se za rodinného přítele, ale brzy se ocitla v pasti stejného života domácích povinností a zodpovědnosti, které jako dítě nenáviděla.

Brzy poté, co se Niki de Saint Phalle vymanila ze svého rodinného života, se ocitla v evropských i amerických uměleckých kruzích. Její odvážné experimenty s materiály, technikami a formáty rychle přitáhly pozornost mladých i zavedených umělců, od Robert Rauschenberg na Marcel Duchamp . Naivní a hravý styl Niki de Saint Phalle byl jen zástěrkou, aby se vytvořil prostor pro rozhovory o nepříjemných a citlivých tématech, jako je např. AIDS krize , rasová a genderová nerovnost a změna klimatu.

4. Augusta Savage (1892 – 1962)

Augusta Savage, velká americká sochařka Harlemská renesance , začala experimentovat s hlínou v raném věku, k velkému hněvu jejího otce, metodistického duchovního, který považoval tvorbu umění za něco hříšného. Navzdory letům bití a zneužívání zůstala vytrvalá, později se přestěhovala do New Yorku a získala stipendium na Cooper Union College. Prestižní umělecká škola ve Francii také přijala Savage jako svou studentku, ale americká strana ji tam odmítla poslat s tím, že ostatní studenti by se při studiu s černoškou cítili nepříjemně.

Přesto, s pomocí svých patronů a kolegů sochařů, Augusta Savageová podařilo překročit oceán a usadit se na několik let v Paříži. Nezkoumala tam jen evropské umění, ale aktivně prezentovala a prodávala své vlastní kousky, a to dokonce i s prestižními cenami. Do USA se vrátila na počátku 30. let, kdy se Velká deprese pozastavit uměleckou produkci. S odhodláním pomoci své komunitě otevřela umělecké studio a dvě umělecké galerie a učila děti i dospělé malovat a vyřezávat. Přestože se dochovalo relativně malé množství jejích děl, její vliv na rostoucí afroamerickou uměleckou scénu byl evidentní a trvalý.

5. Wangechi Mutu (1972 – )

Wangechi Mutu je současný keňský sochař, který zkoumá kulturní identitu a ženskost optikou africké kultury a historie. Mutu, často nazývaný afrofuturistou, vytváří fantastické sochy, v nichž se mísí sci-fi s africkou tradicí, podvrací koloniální příběhy a představuje si novou budoucnost.

V roce 2019 The Metropolitní muzeum v New Yorku objednal sérii fasádních soch od Wangechi Mutu. Výklenky směřující k Páté Avenue byly od stavby muzea prázdné a Mutu byl prvním umělcem, který byl požádán, aby je zaplnil novými kusy. Umělec nejprve myslel na karyatidy, starověké řecké sochy žen držících budovy místo sloupů. Tento koncept propojila s tradiční africkou sochou sedících žen a proměnila je v postavy připomínající mimozemšťany, které vítaly návštěvníky. Mezi nejpozoruhodnější rysy postav patřily destičky na rty, které tradičně nosily ženy patřící k vyšším vrstvám některých etiopských kmenů. Mutu je proměnil v zrcadla, odrážela světlo a interagovala s divákem, když se blížili k budově muzea. Po počátečním zapojení Mutu se Met rozhodla změnit fasádní sochy každoročně , objednávání děl od různých současných sochařů.

6. Louise Bourgeois (1911 – 2010)

Francouzský sochař Louise Bourgeois během své dlouhé kariéry budovala vlastní mytologii. Většina práce Bourgeois je zakořeněna v jejích dětských zkušenostech. Utěšující, ale krátkodobou přítomnost své matky dokumentovala vytvořením pavouků. Pro společnost Bourgeois, a pavouk je přátelský tvor, který nabízí ochranu před komáry přenášejícími nemoci. Motiv pavučiny byl pro umělkyni stejně zásadní, protože její matka byla tkadlena gobelínů a restaurátorka.

Zacházení s otcovskou postavou v Bourgeoisově díle odráželo pocity strachu, znechucení a nedůvěry. Její otec měl před ženou a dcerou stěží utajené aféry. Bourgeois ve své instalaci zobrazila jeho toxickou a depresivní přítomnost Zkáza Otce . Skladba vznikla z dětského snu, ve kterém Bourgeois a její sourozenci rozřezali a sežrali svého otce. Četné aféry jejího otce ovlivnily buržoazní zacházení se sexualitou v umění, které bylo předmětem mnoha výzkumných prací a kritických esejů. Sexualita v jejích dílech není romantická ani radostná, ale zkreslená, často odpudivá a navždy poznamenaná raným traumatem.

7. Kara Walker (1969 – )

Současná umělkyně Kara Walker je jednou z předních Afro-Američan hlasy ve světě umění. Je známá svým nekompromisním zpracováním témat týkajících se otroctví, systémového rasismu a násilí. Přestože je Walker multidisciplinární umělkyní, sochařství zůstává významnou součástí její tvorby. Jednou z klíčových vlastností Walkerova práce je její podvracení prestižní , bílé druhy umění a řemesel, které byly populární během koloniálních časů. Prolínáním kontextů a symbolů poukazuje na pokrytectví a krutost některých momentů historie.

Monumentální socha Jemnost, postavený a následně zbořený v roce 2014, ukázal 75 stop dlouhou sfingu postavenou z cukrových bloků v bývalém cukrovaru. Cukrové sochy byly oblíbené stolní dekorace v aristokratických západních domácnostech. Ve stejné době výroba cukru zahrnovala otrockou práci, přičemž otroci měli stěží přístup k produktu, který vyráběli. Rysy sfingy nemají se slavnou egyptskou postavou mnoho společného. Její sfinga ukazuje stereotypní zobrazení černošky, matky a sluhy v době předcházející Hnutí za občanská práva .

8. Feministická sochařka: Judy Chicago (1939 – )

Nejznámější dílo Judy Chicago je monumentální Večeře s oslavou . V jejím sochařském díle je však mnohem víc než slavný trojúhelníkový stůl. Chicago je primárně známé jako a feministka umělec. Na začátku své kariéry umělkyně pracovala s minimalistickým sochařstvím. Zjednodušením slovní zásoby formy se zaměřila na nuance barvy a tónu. Název díla pochází ze jména soulového zpěváka Wilsona Picketta, který byl populární v 60. letech. Kritici, včetně Klement Greenberg , setkala se s ranými minimalistickými pracemi Judy Chicago s oceněním, ale její další úspěch tyto kousky překonal.