Groteskní smyslnost v Egon Schiele's Depictions of the Human Form

Egon Schiele (1890-1918) je známý svými viscerálními malbami a kresbami, z nichž mnohé představují mužské a ženské akty propletené a zapojené do zjevně sexuálních pozic. Jeho alchymie explicitnosti a grotesky je vykreslena se zkroucenou krásou, kterou lze jen stěží vyjádřit. Jeho použití šedavé, mrtvolné palety za účelem zobrazení konfrontačních momentů sexuality, smyslnosti a sebeuvědomění činí z jeho zobrazení lidského těla jedny z nejvíce podnětných v historii západního moderního umění. Schiele překrucuje anatomii svých postav, aby odhalil an ošklivost . V Schieleho díle je lidská podoba syrová, odpudivá a plná fascinujících rozporů.

Destabilizace konvenční smyslnosti Egona Schieleho v umění

Fotografie Egona Schieleho u stolu

Přestože žil sotva 30 let, Egon Schiele se stal mimořádně vlivným moderním umělcem. V době, kdy si mnoho umělců přálo zachovat krásu lidské podoby a přírody prostřednictvím umění, se rakouský umělec neštítil zobrazovat své postavy v poutavých polohách. Existuje polemika o tom, zda jeho vyobrazení byla pro jeho náměty posilující nebo samoúčelná pro umělcovy fantazie, ale zdá se, že v literatuře popisující jeho dílo se všudypřítomně objevuje jedno slovo, slovo groteskní . Groteska, která je běžně definována jako, podivné a nepříjemné, zvláště hloupým nebo mírně děsivým způsobem , může také znamenat se výrazně odchyluje od přirozeného, ​​očekávaného nebo typického.

Tento termín často dáváme rovnítko mezi slova Hrubý nebo nechutný , ale slovo může označovat i něco, co nesplňuje určitá společenská nebo estetická očekávání. Schiele byl mistrem v pozměňování lidského těla právě natolik, aby destabilizoval předpojaté představy o tom, jak by mělo vypadat nahé tělo, a to zejména pro diváky v jeho době. Při bližším zkoumání však nelze popřít komplexní krásu jeho díla, která nepřestává přitahovat a matou odborníky i milovníky umění.

Včasné vystavení temnému lidskému stavu

Pair Embracing od Egona Schieleho, 1915 přes ArtMajeur

Schiele se narodil v roce 1890 německému otci a německo-české matce v Rakousku. Jeho otec údajně trpěl vážnými psychickými problémy. Navštěvoval také místní nevěstince. Nakonec zemřel na syfilis, když bylo Schielemu 15 let, což některé zdroje připisují umělcově rané fascinaci lidskou sexualitou. Rok po smrti svého otce vstoupil Schiele na Akademii výtvarných umění ve Vídni. Po třech letech odešel ze školy nespokojený, protože si myslel, že osnovy jsou rigidní a konzervativní.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

Spolu s několika dalšími spolužáky začal nová umělecká skupina (New Art Group), jejímž prostřednictvím se setkal s kritikem Arthurem Roesslerem. Roessler představil umělce předním členům vídeňské kulturní scény. V té době byla vídeňská inteligence posedlá myšlenkami souvisejícími se sexem a smrtí. To byla Vídeň Sigmunda Freuda a umělců vídeňská secese jako Gustav Klimt . Klimt se později stal Schieleho mentorem a poskytl mu jeho první modely. Schieleho umělecká praxe se tak rozvíjela v prostředí plném frenetické energie zaměřené na pochopení složitých hlubin lidské psychiky.

Vizuální prvky, které vytvářejí smyslnou grotesku

Ženský akt viděný zezadu Egonem Schielem, 1915 přes Koones

Barva a světlo byly mocnými nástroji Schieleho arzenálu. Barvy používal střídmě, aby zvýraznil aspekty těla, které jeho předchůdci i mnozí jeho současníci považovali za tabu. V některých dílech používá zářivé barvy na malovaných vlasech nebo řídkém oděvu svých postav, pleť zobrazuje v tlumených barvách, nejčastěji béžové s nádechem světle modré a červené. V některých dílech používá jasnější barvy tam, kde se kůže setkává s kostí, aby zdůraznil špičatou hubenost těla. To je vidět na dílech jako ženský akt při pohledu zezadu (1915), kde Schiele zvýrazňuje každý kloub v ženské páteři štětcem sytě červené.

Použití a manipulace se světlem byly dalším vizuálním nástrojem, který se propůjčil Schieleho vizi lidského těla. Na materiálové úrovni papír, který používal, hrubý a často záměrně vybledlý, dodal jeho dílu bledou, zestárlou kvalitu, díky níž bylo pod přímým světlem křehké. Umělec byl také známý tím, že obkresloval postavy, které jim dodávaly jakousi éterickou auru. Přesto z těchto osvětlených těl je psychologická temnota pocházející z použití drsných úhlů a nestálých barev. To je jen jeden z mnoha protikladů Schieleho díla: temnota člověka psychika v napjaté přetahované se vzhledem a použitím světla.

Anatomie revolučního stylu

Autoportrét Egona Schieleho, 1910 prostřednictvím Wikimedia Commons

Není třeba cvičeného oka, abyste viděli složitosti přítomné v Schieleho umění, z nichž mnohé lze považovat za odraz jeho postavení ve vídeňské umělecké a intelektuální společnosti. Smyslnost i groteska existují ve stejném těle téměř ve všech jeho zobrazeních lidské podoby. Páry zapojené do smyslných, něžných objetí jsou zobrazeny s hubenými, téměř vyhublými rysy. Přehnaná mimika změní nejjednodušší postoj ve složité čtení vnitřního světa subjektu. Ženy v mládí vypadají bledé a zkreslené, téměř kostnaté.

Pohlaví a sexualita jsou rovněž proměnlivé, přičemž mnoho odborníků v jeho zobrazeních mužů i žen identifikuje androgynii. S výjimkou děl jako Autoportrét s vesty Peacock stojící (1911), Schieleho předměty jsou obvykle zavěšeny v prázdnotě, bez pozadí, které by naznačovalo hloubku za okraji samotné postavy. Ve všech těchto estetických prvcích dochází k rozostření a destabilizaci několika morálních a estetických kategorií.

Je třeba poznamenat, že tyto prvky nejsou omezeny na Schieleho zobrazení ostatních. Ve většině své tvorby, on obrací pohled dovnitř na sebe . Jeho autoportréty jsou stejně znepokojivé a groteskní, ne-li více než jeho portréty jiných. Otázkou tedy zůstává: proč zobrazovat lidskou podobu, včetně jeho vlastní, v tak syrovém formátu?

Ležící žena se zelenými punčochami (také známá jako Adele Harms) od Egona Schieleho, 1917 přes Cultura Colectiva

Nejenže Schiele odporoval tehdejším uznávaným uměleckým standardům, ale nutil diváky akceptovat koexistenci několika z těchto širokých kategorií. Smrt a sex, dobro a zlo, světlo a tma, rozklad a život, násilí a něha, láska a nedůvěra, to vše se střetává v každém díle, které vytvořil. Toto napětí vytváří vznešenou krásu, až příliš ohromující a pro někoho hanebnou, než ji přijmout. Schiele nastavil své komunitě zrcadlo a donutil je vidět odvážné rozpory propletené v jedné svíjející se mase lidských nedostatků a syrové smyslnosti. Výsledek je povzbuzující a nutí k zamyšlení, i když je dílo zpočátku těžko uchopitelné v nominální hodnotě. Tohle je groteskní smyslnost ve své nejlepší podobě.

Posílit erotická vyobrazení nebo samoúčelné zkoumání sexuality?

Muž a žena (objímání) od Egona Schieleho, 1917, přes Wikimedia

Mezi zájemci o Schieleho dílo probíhá neustálý rozhovor o významu Schieleho zobrazení nahých postav, zejména ženských aktů. Tato diskuse jde ruku v ruce s diskusí o jak zobrazoval tyto postavy. Na jedné straně existuje argument, že tato znepokojivá, ale přesto erotická umělecká díla jsou pro předměty, které zobrazoval, posilující. Byl jedním z mála umělců své doby, kteří ukazovali ženy ve vysoce erotických polohách, a tím znovu získával prostor pro ženy k vyjádření jejich sexuality.

Na druhé straně existují tvrzení, že tato zobrazení byla vytvořena pro umělcovo vlastní sexuální naplnění. Tyto argumenty vytvářejí šedou zónu, pokud jde o Schieleho dědictví. Zatímco někteří ho považují za šampiona zjevné sexuality a boření bariér, jiní ho vnímají tak, že těží z jeho dostupnosti k živým modelkám a vytváří erotická umělecká díla, která uspokojují jeho vlastní fantazie. Jednou z odpovědí by mohlo být, že byl motivován oběma důvody, a proto je pochopení a studium jeho díla stejně znepokojující jako jeho prohlížení.

Dědictví Egona Schieleho

Fotografie Egona Schieleho, 1914 přes Artspace

Konec Schieleho života byl nepopiratelně tragický. O manželku Edith a nenarozené dítě přišel v roce 1918 kvůli španělské chřipce, pouhé tři dny předtím, než onemocněl stejnou smrtelnou chorobou. Navzdory pandemický Schiele pokračoval v kreslení a malování až do konce svého života. Přestože se dožil pouhých 28 let, vliv, který měl na západní dějiny umění, je nadčasový. Schiele byl jedním z nejvlivnějších umělců vídeňské moderny a pomohl položit základy dalším moderním uměleckým směrům, které teprve měly přijít.

Ještě důležitější je, že Schiele změnil způsob, jakým publikum vizuálně chápalo pojmy sex, láska, krása, smrt a sebeuvědomění. Možná by bylo vhodnější neoznačovat Schieleho za moderního umělce vůbec. Možná bychom si měli vzít poznámku od samotného Schieleho, který kdysi řekl: Nemyslím si, že něco jako moderní umění existuje. Je to prostě umění a je to věčné . Schieleho odkaz to jistě dokazuje věčný umění může být vytvořeno, pokud se dotýká určitých částí lidské psychiky, zejména těch částí mysli, které se mnozí dosud neodvážili navštívit.