Pop Art: Američan vs. Britové (slavní umělci a ikonické umění)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie’s

Pop Art, jedno z nejslavnějších uměleckých hnutí všech dob, definovalo konzumní kulturu mládeže 50. a 60. let, díky čemuž bylo umění pop! jako nikdy předtím. Pop umělci hledali inspiraci v říších populární kultury, brali hravé, barevné a neuctivé snímky z reklam, komiksů, časopisů a filmů a začleňovali je do vzrušujících nových forem umění.

Experimentování s jazykem vyjmutí a vložení dadaista a Surrealismus , mnoho umělců prozkoumalo koláž zcela novými způsoby. S předstíranou vážností odkazují na industrializovaný svět kapitalismu a konzumerismu. Jiní přijali rostoucí technologii nových technik včetně tisku, fotografování ,a filmová tvorba, která umělcům umožnila vytvářet násobky a opakovat vzory, čímž se odstranily nároky obklopující individuální, izolované umělecké dílo. Někteří pokračovali v tradičních médiích malby a sochařství, ale našli způsoby, jak začlenit fotografické nebo tištěné prvky nebo styly, které napodobují digitální efekty.

Série Marilyn Monroe, Andy Warhol, 1967 a A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

Pop Art, převážně britský a americký fenomén v 50. a 60. letech, měl v následujících desetiletích široký vliv a inspiroval miliony celosvětových napodobenin. Pop ve skutečnosti spojil umění s obchodem tak úspěšně, že jejich svazek je pevný i dnes. I nadále inspiruje a informuje nespočet kreativních myslitelů.

Věděli jste, že pop-art začal v Londýně v Anglii?

Eduardo Paolozzi, I was a Rich Man’s Plaything, 1947

New York Andy Warhol je nejslavnější popovou ikonou, ale mnozí možná nevěděli, že hnutí ve skutečnosti začalo v Londýně 40. let. Nezávislá skupina byla skupina stejně smýšlejících umělců, kteří se pravidelně scházeli v londýnském Institutu současného umění, aby si vyměňovali nápady. Spojila je fascinace americkými filmy, reklamou a brandingem, které se dostaly do britské kultury. Mezi členy patřili Eduardo Paolozzi a Richard Hamilton, nyní uznávaní jako vůbec první pop umělci. V drzé koláži od Paolozziho s názvem Byl jsem hračkou bohatého muže, 1947, slovo Pop! přichází střelba z dětské pistole, kývnutí směrem ke kreativnímu textu komiksů. Mnozí nyní vidí toto umělecké dílo jako původ termínu Pop Art, který Paolozzi použil jako zkratku slova populární, čímž odkazuje na fascinaci skupiny populární kulturou.

Richard Hamilton, Čím to je, že jsou dnešní domovy tak odlišné, tak přitažlivé?, 1956

Slavná koláž Richarda Hamiltona Čím to je, že jsou dnešní domovy tak odlišné, tak přitažlivé? 1956, dělal si legraci z nového, idealizovaného amerického života, který infiltroval západní společnost. Byl to směšně přehnaný obraz dokonalého muže a ženy, kteří jsou vystaveni se všemi nejnovějšími vychytávkami. Jsou to však duté, povrchní emblémy konzumu. Na rozdíl od svého pozdějšího amerického protějšku se britský pop art vyznačoval tímto kousavým satirickým okrajem, který z odstupu sledoval americkou kulturu. Hamilton jejich nový styl vtipně nazval Populární, pomíjivý, postradatelný, nízkonákladový, sériově vyráběný, mladý nezvyklý, okouzlující a Big Business.

Neo-Dada A Pop V New Yorku

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

Jasper Johns, Bílá vlajka, 1955, The Met

V 50. letech 20. století se v New Yorku objevila kultura Neo-Dada, která zkoumala divoce experimentální absurdismus typu cut-and-paste z počátku 20.čtstoletí Dada pohyb . Na scéně se začali objevovat významní umělci, včetně Jaspera Johnse, Roberta Rauschenberga, Roye Lichtensteina a Andy Warhol . Na významné výstavě v Sydney Janis Gallery v roce 1962 s názvem Noví realisté , umělecká díla byla seskupena do několika opakujících se témat, včetně denního objektu, hromadných sdělovacích prostředků a opakování. Kurátor sídlící v Britské Americe Lawrence Alloway objevil spojení mezi britským a americkým uměním. Byl prvním, kdo použil termín Pop Art k definování úsvitu nové éry. Na rozdíl od britského stylu popu žili američtí umělci mezi sférami masové komunikace a reklamy tím, že ji sledovali z vnitřní perspektivy méně kritickým okem.

Mnoho uměleckých kritiků ve Spojených státech i v Evropě bylo zděšeno používáním „nízkého“ tématu v oblastech „vysokého“ umění a umělci čelili tvrdé kritice, když bylo hnutí na počátku. Ale v polovině 60. let se mnoho dalších galerií, umělců a kupujících chopilo stoupajícího trendu a bylo jasné, že nový styl tu zůstane.

Warhol a Lichtenstein's Americana

Andy Warhol, Campbellovy plechovky na polévku, 1962

V 60. letech v New Yorku byl Andy Warhol autorem plakátu pro americký pop art. Využil populárních, slavných obrázků z americké kultury, včetně Coca Coly, Campbell's Soup, a ikonických celebrit včetně Marilyn Monroe, Jackie Kennedy a Elizabeth Taylor. Jeho oblíbeným médiem byl sítotisk, který mu umožňoval vytvářet výrazné, odvážně barevné obrazy jako násobky a opakující se vzory, ale také experimentoval s širokou škálou dalších médií včetně malby, fotografie a filmové tvorby. Založení jeho světoznámé, newyorské dílny známé jako Továrna, zaměstnal tým asistentů, kteří mu pomohli převzít newyorskou uměleckou scénu. Ačkoli je Warhol často vnímán jako lesklý symbol povrchního půvabu Ameriky, pod mnoha jeho uměleckými díly se skrývá také zlověstný okraj, který zvýrazňuje temnější stránku celebrit a slávy, zvláště když lebky se začal objevovat v jeho dílech.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Americký malíř Roy Lichtenstein také pronikl do komerčního světa námětem. Zpočátku inspirován jeho dětskými obaly na žvýkačky Mickey Mouse, jak je vidět na jeho rané malbě Podívej Mickey, 1961, začal vyrábět velké malované verze jednotlivých rámečků komiksů, které přidal a zveličil, aby zdůraznil ještě větší dramatický efekt. Některá díla zdůrazňovala divadelní dopad onomatopoického komiksového textu, včetně slov jako Blam, Pop, Whaam a Varroom. Všechny byly nakresleny přehnaným písmem a obklopeny divoce stoupajícím kouřem, ohněm a plameny nebo čarami naznačujícími rychlý pohyb. Tyto obrazy byly okamžitě silné a měly dlouhodobý vliv na textové umění v 70. letech.

Roy Lichtenstein, Topící se dívka, 1963

Lichtenstein se však svou sérií scén na motivy komiksu pro teenagery skutečně zapsal do historie Dívčí romance zachycující mladé ženy zmítané úzkostí, jak jsou smeteny podlými mladými muži, nebo jak spadají do kaluží zoufalství jako ve scéně Topící se dívka, 1963. Lichtenstein zdůraznil a zveličil emocionální drama těchto mladých žen do takové míry, že se stávají k smíchu tím, že zdůrazňují povrchnost tištěného obrazu. Replikace úspory inkoustu Ben-day tečka Technika tisku používaná u komiksů sloužila stejnému účelu a přitahuje naši pozornost na zploštělý obraz. Lichtenstein natřený plochou akrylovou barvou Magna skrz perforovanou mřížku, aby vytvořil tuto syntetickou odosobněnou estetiku, s konečným výsledkem, který vypadá zcela strojově.

Jiné druhy pop-artu

Arman, Dlouhodobé parkování, 1982

V jiných částech Evropy se variace na americký a britský pop art objevily pod různými jmény. Ve Francii se sešla skupina umělců, kteří si říkali Nouveau Realistes (Noví realisté) a jejímiž členy byli Arman, Cesar, Christo, John Tinguely a Yves Klein. Inspirováni americkým a britským pop-artem vnesli do svého umění prvky populární kultury, ale také prozkoumali méně okouzlující nečistoty každodenního života a propůjčili svému umění špinavější a méně vybroušený okraj. Sochař Arman přinesl rozdrcená nebo opuštěná auta do svých obrovských, monumentálních sestav, jak je vidět na totemiku Dlouhodobé parkování, 1982, zatímco Tinguely vyráběl mašinky ze starých kol, matic a šroubů a vstřikoval do nich neohrabaný, řinčivý nový život.

Gerhard Richter, Strana, 1963

Na fenomén pop artu v 60. letech reagovala i skupina umělců v Německu, včetně Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg a Manfred Kuttner. Žertovně se propagovali jako němečtí pop umělci, aby upoutali pozornost, ve skutečnosti byla jejich práce složitější a kritičtější. Spojením prvků socialistického realismu z východního Německa s amerikanizovaným kapitalismem západního Německa vymysleli sloučený termín Kapitalistický realismus popsat jejich mezilehlý postoj. Jejich zobrazování mělo často kousavý, satirický nádech, protože vyjímalo ze zpráv, reklam a kultury celebrit. U Richtera Oslava, 1963, například skupina celebrit se proměnila v strašidelné ghúly, kteří vytékali krev do sklenic na víno, zatímco ve hře Sigmar Polke zajíčci, 1966, Playboy's Bunny Girls jsou zredukovány na pixelované, rozmazané vzorované a rozmazané tečky, které odrážejí puntíkovaný jazyk Roye Lichtensteina.

Sigmar Sigmar Polke, Zajíčci, 1966

Postmodernismus, neo-pop a superbyt

Od nástupu pop-artu v 60. letech 20. století umělci stále dobrodružněji reagují na rozšiřující se svět masmédií, často s kritickým postojem. V průběhu 70. let si postmoderní umělci hráli s obrazem veřejnosti nebo jej přepracovávali a někdy vytvářeli nafouknuté verze reality, aby zdůraznili destruktivní kvality konzumerismu.

Cindy Sherman, Bez názvu, 2010-12

Feministický postoj americké fotografky Cindy Shermanové provedl prostřednictvím filmů a časopisů ostré postřehy o povrchních, idealizovaných archetypech společnosti zaměřených na ženy. Obléká se do řady karikatur s parukami, falešným opálením, zvýšeným make-upem a falešnými nosy a kritizuje směšnost ženských ideálů tím, že odhaluje temné podbřišníky plastické chirurgie a kosmetických vylepšení.

Jeff Koons, Lips, 2000, ze série ‚Easyfun-Ethereal‘

americký umělec Jeff Koons reagoval na kapitalistickou kulturu v 80. letech falešnými reklamami v časopisech a přeplácanými sochami, zvětšujícími kýč, roztomilé memorabilie do děsivě předimenzovaných replik. Jeho série obrovských „Easyfun-Ethereal“ obrazů jsou směsicí reklamních úryvků. Vyznačují se lesklými ženskými rty a šťavnatým vlhkým ovocem vznášejícím se nad tropickou krajinou, které zvýrazňují shovívavou, sexualizovanou povahu reklamy. Tento úhledný fotorealistický jazyk je styl, který je nyní známý jako Neo-Pop. Stejně jako Warhol provozuje rozsáhlou dílnu zaměstnávající týmy asistentů, kteří za něj dělají práci. Hrubě předimenzované sestavy Mikea Kelleyho jsou ještě grotesknější, shlukují děsivě barevné plyšové hračky do zavěšených koulí kožešiny, které vypovídají o masové spotřebě, plýtvání a přebytku.

Japonský umělec Takashi Murakami pózuje se svou sérií „Superflat“.

Pokud postmoderní a neo-popoví umělci zaujali kritický postoj k populární kultuře, japonský současný umělec Takashi Murakami vnesl zpět zábavu. Umělečtí kritici ho dokonce nazývají japonskou odpovědí Andymu Warholovi. Jeho směšně optimistický svět je plný opojných květinových potisků a usměvavých tváří v sladkých pastelových tónech. Přijal termín Superflat, aby definoval svůj syntetický, dekorativní jazyk, a kreslí paralely mezi starověkými japonskými dřevěnými bloky a současnými kreslenými anime nebo manga. Uvádí, že ploché, dekorativní a květinové vzory jsou v japonské společnosti po staletí. Přináší jazyk pop artu do kruhu a kombinuje své křiklavé, usměvavé květiny a drzé, přátelské stvoření do komerčních objektů. Od tenisek a kabelek po pouzdra na telefony a skateboardy dokazuje, jak úzce jsou jazyky umění a obchodu nadále propojeny.