Umění a móda: 9 slavných šatů v malbě, které vylepšily ženský styl

Portrét Madame X od Johna Singera Sargenta, 1883-84 (vlevo); s Hudebník od Tamary de Lempicka, 1929 (uprostřed); a Symfonie v bílé č. 1: Bílá dívka James McNeill Whistler, 1862 (vpravo)

Pro tyto ženy se vše od jejich bohatství, charakteru a politických/společenských postojů stalo ukazatelem toho, kdo byly založeny na těchto obrazech. Ať už to věděli nebo ne, ovlivňovali módní trendy, pobouřili kritiky a používali módu k tomu, aby se prezentovali světu kolem sebe. Níže je devět obrazů se slavnými šaty, které sahají od Renesance až po moderní dobu .

Renesanční Obrazy Se Slavnými Šaty

The renesance byla dobou kulturního a uměleckého oživení, as klasicismus se v evropských společnostech revolučně vrátil . V tomto období však došlo také k výrazným změnám v módě; podívejte se, jak slavné šaty na obrazech ovlivnily módu v době renesance.

Portrét Arnolfiniho (1434) od Jana Van Eycka

Portrét Arnolfiniho od Jana Van Eycka , 1434, přes The National Gallery v Londýně

Jan van Eyck s Arnolfini svatební portrét je základem ve studiu látky v portrétování. Van Eyckova technika neponechává nic na fantazii, protože jeho přístup k malování látek vytváří realistický a trojrozměrný zážitek. Smaragdově zelený její vlněný oděv a rukávy lemované hermelínem ukazují stav rodin, protože látky na obrázku výše si mohli dovolit pouze bohatí klienti.

Vlna, hedvábí, samet a kožešiny byly ve srovnání s bavlnou nebo lnem vzácné a dražší na výrobu a byly symbolem toho, kolik si člověk může dovolit koupit. Zobrazuje také bohatství jejího manžela, protože ukazuje, že si mohl dovolit koupit mnoho yardů látky, aby vytvořil její šaty. Jednou z nejdiskutovanějších otázek kolem obrazu je, zda je zobrazená žena (pravděpodobně Arnolfiniho manželka) těhotná. Renesanční sukně byly tak plné a těžké, že si ženy zvedly sukně, aby se s nimi snadněji pohybovalo.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

Velmi bohaté hodiny vévody z Berry April od The Limbourg Brothers , 1412-16, v Musée Condé, Chantilly, přes The Web Gallery of Art, Washington D.C. (vlevo); s Velmi bohaté hodiny vévody z Berry Rajská zahrada od The Bratři limburgové , 1411-16, v Musée Condé, Chantilly, přes The Web Gallery of Art, Washington D.C. (vpravo)

Přidané smyslné záhyby jejích šatů také odhalují trend v zobrazování žen s křivějšími středními partiemi, protože to ukazuje naději na početí dětí během manželství. Dalším příkladem toho jsou bratři z Limbourgu Velmi bohaté hodiny vévody z Berry. Na obou snímcích jsou vyobrazeny samice s kulatějším bříškem. Obrázek vlevo znázorňuje svatbu a je srovnatelný s portrétem Arnolfiniho, protože obě ženy promítají obraz mateřství v očekávání těhotenství. Aniž bychom se dívali na obraz moderním objektivem, můžeme to vidět jako záznam toho, co ženy nosily a co bylo pro lidi důležité odhalit ostatním.

Barokní a rokokové malby

The Baroko a rokoko období lze charakterizovat propracovanou výzdobou, dekadencí a hravostí. Tyto trendy byly vidět nejen v umění, ale také v módě prostřednictvím složitého zdobení a honosných rób. Podívejte se na některé slavné šaty inspirované uměleckými díly.

Elizabeth Clarke Freake (paní John Freake) a Baby Mary (1674)

Elizabeth Clarke Freake (paní John Freake) a Baby Mary od neznámého umělce , 1674, Worcester Art Museum

Pozornost tohoto neznámého umělce na detail a zaměření na oblečení je to, co dělá z tohoto obrazu důležitý záznam života Puritans z Nové Anglie . Na tomto obrázku je Elizabeth vyzdobena jemnými látkami a doplňky z Ameriky 17. století. Její bílý krajkový límec svědčí o populární evropské krajce, kterou nalézají aristokratické ženy. Z šatů jí vyčnívá zlatě vyšívaná sametová spodnička a její rukávy jsou zdobeny stuhami. Zdobí ji šperky z perlového náhrdelníku, zlatého prstenu a granátového náramku. Tento obraz nabízí jedinečný pohled do puritánského života Alžběty a její rodiny.

Umělec je schopen smíchat obrazy svého bohatství ve skromném prostředí. Obraz jasně ukazuje Alžbětino bohatství, když se rozhodla nosit svůj nejlepší oděv a šperky. Odráží také bohatství jejího manžela Johna Freakeho, že si mohl dovolit tento luxus a objednat si tento portrét, stejně jako jeden ze svých. Obraz by také znamenal jejich puritánský postoj vděčnosti vůči Bohu, protože bez jeho požehnání by nemohli mít tento luxus.

Houpačka (1767) Jean-Honore Fragonard

Houpačka od Jean-Honore Fragonarda , 1767, prostřednictvím The Wallace Collection, Londýn

Jean-Honore Fragonard s Houpačka je ukázkou rokokového stylu ve francouzských aristokratických kruzích. Obraz byl soukromou zakázkou, kdy francouzský dvořan požádal Fragonarda, aby vytvořil tento obraz sebe a své milenky. Zatímco obraz byl umístěn za zavřenými dveřmi, odhaluje luxus, lehkomyslnost a tajnou povahu francouzského královského dvora.

Pastelově růžové šaty vynikají v bujné zahradě a jsou ústředním bodem kousku. Fragonard maluje šaty volnými tahy štětcem, které napodobují široké sukně a nařasený živůtek jejích šatů. Jeho volný rukopis se shoduje s jeho námětem této idylické zahradní scény, která je plná koketních a rozmarných obrazů. Se všemi sevřenými korzety, ruchy a ohradami ženských oděvů byl jediným místem, které žádné nemělo, spodní lem dámské sukně. Fragonard toho využil ve svůj prospěch, když ztvárnil ženu, jak se houpe přímo na dokonalém místě, aby její milenec mohl vzhlédnout její sukni. Soukromá komise umožnila Fragonardovi experimentovat s jeho tématem a umožnila divákům odhalit, jaký by byl život nejbohatších lidí u dvora.

Francouzské šaty, šaty z Francie 18. století , 1770, přes The Metropolitan Museum of Art, New York

Jeho malba také ukazuje trendy nastavené na francouzském dvoře módy. Rokoko přesáhlo módu, umění a architekturu a vytvořilo něco, co je jedinečně francouzské. Rokoková móda zahrnovala ty nejluxusnější látky, včetně pastelově zbarveného hedvábí, sametů, krajek a květinových vzorů. Zahrnovalo to také nadměrné množství mašlí, drahokamů, volánků a ozdobných ozdob, které vytvořily vzhled, aby se u dvora otočily hlavy. Styl definoval rozdíl mezi chudými a bohatými, protože aristokracie si mohla dovolit luxus jemných látek a ozdob. Pro ženy, které nosí takové rokokové skvosty, je obraz ztělesněním francouzského královského dvora před revolucí.

Slavné šaty v obrazech 19. století

V 19. století došlo k uměleckému posunu od Neoklasicismus do raného modernismu, ustupující stylům a myšlenkovým směrům. Toto století také vidělo změny v módě; čtěte dále, abyste viděli, jak malby ovlivnily představení slavných šatů a stylů, které byly výrazně modernější než dříve.

Symfonie v bílé č. 1: Bílá dívka (1862) od Jamese McNeilla Whistlera

Symfonie v bílé č. 1: Bílá dívka od Jamese McNeilla Whistlera , 1862, přes The National Gallery of Art, Washington D.C.

Umění pro umění se propojilo Symfonie v bílé č. 1: Bílá dívka tak jako James McNeill Whistler chtěl, aby obraz měl duchovní význam. Kritici to však takto neviděli, protože portrétovanou ženou je Joanna Hiffernanová (v té době jeho milenka). Ještě důležitější je, že to byl oděv, který se Whistler rozhodl namalovat Hiffernana, který uzavřel dohodu a nechal tyto šaty vyniknout mezi jeho dalšími obrazy.

Tento portrét byl v té době skandální kvůli Whistlerovu zobrazení čistě bílých ženských šatů. Během roku 1800 ženský oděv často zahrnoval a krinolínová klec spodní sukně vyrobená z oceli, aby udržela sukně nad vodou. Ženy také nosily korzety mezi mnoha dalšími spodními oděvy, aby si mohly vytvořit širší sukně.

Žena v bílém je pravým opakem tehdejšího standardu slušného oblékání. Její čajový plášť je oděv, který by mohl vidět pouze její manžel (nebo milenec), protože jej lze snadno sundat. Byly to denní šaty nošené v soukromí a staly se populárnějšími až na počátku 20. století pro každodenní nošení.

Pro Whistlera měla být jeho múza součástí celkové scény, která lahodila oku. Hiffernanovou vylíčil tak, jak ji viděl, a pro tehdejší diváky byl obraz matoucí a trochu neslušný.

Portrét slečny Lloydové (1876) a Červenec: Ukázka portrétu (1878) od Jamese Tissota

Portrét slečny Lloydové od Jamese Tissota , 1876, přes The Tate, Londýn (vlevo); s Červenec: Ukázka portrétu od Jamese Tissota , 1878, přes Cleveland Museum of Art (vpravo)

James Tissot vytvořil četné obrazy zobrazující dámskou módu během pozdního 1800. Měl náskok před evropskou módou a je známý tím, že svá témata maloval podle nejnovějších módních trendů. Dámská móda se začala obracet mezi mladé dámy v Paříži a Londýně koncem 19. století. Široké a těžké sukně jejich viktoriánských předchůdců byly nahrazeny užšími sukněmi a plnými sukněmi vzadu. To, co tyto konkrétní šaty vyniká, je Tissotovo neustálé používání ve svých obrazech. Tissot jej používá v dalším ze svých obrazů Galerie HMS Kalkata (Portsmouth) a ve všech třech jej používá ve zcela jiných souvislostech.

Slečna Lloydová vlevo má na sobě šaty tak, jak by se ve společnosti nosily. Tyto šaty by byly v té době v módě, protože její šaty zdůrazňovaly úzký pas a postavu přesýpacích hodin. Rovné linie jejích šatů také ukazují strnulost její pózy na rozdíl od portrétu vpravo.

Vpravo je portrét Kathleen Newtonové (jeho tehdejší společnice) viděný v intimním prostředí během letních měsíců. Ve srovnání s prvním portrétem vyzařuje ze všeho, jak šaty ztvárnil, malátnost a svůdnost. Newtonová je vidět, jak se povaluje na gauči a její šaty vypadají rozcuchané a rozepnuté. Její sukně volně splývají na gauči a různé mašle a spony jsou rozepnuty.

Obě ženy mají kolem sebe své osobité kouzlo a tajemno. Šaty samotné znamenají rozdíly v populární kultuře ve své době. Jeden je tradiční a konvenční, zatímco druhý je nestydatě intimní, ale skandální pro diváky během 19. století.

Portrét Madame X (1883) od Johna Singera Sargenta

Portrét Madame X od Johna Singera Sargenta , 1883-84, přes The Metropolitan Museum of Art, New York

Kdo stojí před paní X je zaskočena výškou a zářivostí jejího portrétu. John Singer Sargent vytvořil obraz ženy, který, ačkoli to bylo pro jeho dobu nepřijatelné, se stal jedním z jeho nejznámějších a nejuctívanějších obrazů. Je to portrét madame Pierre Gautreau, americké krásky smíšené s francouzskou vysokou společností. Vyvolalo to takový skandál, že sám John Singer Sargent musel z Paříže odejít do Londýna.

Zatímco šaty podobné jejím by se nosily jako kostýmy nebo na večírky, v běžné společnosti se nenosily. Existují určité detaily, které dělají tyto šaty tak skandální. Její korzet je extrémně špičatý směrem k dolní polovině břicha. Ostrý hluboký výstřih do V a korálková ramínka sotva zakrývají ramena a odhalují to, co bylo považováno za intimní partie ženy, a proto je nevhodné předvádět na veřejnosti.

Večerní róba navrhl Hoschedé Rebours , 1885, přes The Metropolitan Museum of Art, New York

Poté, co Sargent předložil obraz do pařížského salonu v roce 1884, vzbudil mezi kritiky a diváky pobouření. Vzbudilo to kontroverzi, když byla vdaná žena její třídy veřejně viděna tak provokativním způsobem. Divákům v Salonu to připadalo, jako by měla spíše spodní prádlo než skutečné šaty. Obraz poškodil paní. Reputace Gautreau jako lidí viděla její portrét jako odraz chlípné osobnosti.

Původně to neměl být doslovný překlad Mme. Gautreauova postava. Šaty a její držení těla vybral sám Sargent a rekvizity připomínají starověké římské sochy narážející na Diana, bohyně lovu a měsíce . Tento výtvor by poškodil oba jejich reputaci. Sargent nakonec odstranil její jméno z portrétu a přejmenoval jej paní X .

Slavné šaty v obrazech 20. století

Umění ve 20. století zaměřené na abstrakci a výraz, procházející výraznými změnami s novými styly a tématy. To také přineslo zkoumání nových forem a syntézy módy a umění . Zde jsou slavné šaty vidět na obrazech během inovativního století.

Portrét Adele Bloch-Bauer I (1907) Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I od Gustava Klimta , 1907, přes New Gallery, New York

Zlaté šaty Adele Bloch-Bauer ukazují Gustav Klimt ztvárnění ženy nespoutané okolním světem. Ve srovnání s jinými portréty dam z vysoké společnosti své doby tento portrét mezi ostatními vyniká. Klimt místo toho, aby maloval ženu z vyšší třídy povalující se v zahradách nebo si četl na pohovkách, proměňuje Adele v postavu z jiného světa. Její šaty jsou vířící postava plná trojúhelníků, očí, obdélníků a ikonografie. Nejsou zde žádné známky korzetů s rovným šněrováním nebo vrstev na vrstvách oblečení. Místo toho je příkladem tak bez zábran, jak se vznáší ve svém světě zlata. secese obsahuje témata přírody a mýtických obrazů. Souvisí také s bohémskou módou, kterou Klimt sám nosil a používal v různých dalších obrazech.

Emilie Flöge a Gustav Klimt v zahradě vily Oleander v Kammeru u jezera Attersee , 1908, přes The Leopold Museum, Vídeň

Klimt často maloval návrhy vytvořené módním návrhářem Emilie Flögeová . Není tak známá jako její současníci nebo předchůdci ve světě módy, ale udělala zvučné kroky při vytváření módy pro ženy své doby. Občas to bylo společné úsilí, protože Klimt použil její slavné šaty také v mnoha svých dalších obrazech. Flögeho šaty mají volné siluety a široké rukávy, které nezahrnovaly korzety nebo jiné omezující spodní prádlo. Díla Klimta a Flögeho prosazovala bohémský způsob života s nejasnými hranicemi mezi tradičním a nekonvenčním, jak je vidět na portrétu Adele Bloch-Bauerové.

Hudebník (1929) By Tamara Lempicka

Hudebník od Tamary de Lempické , 1929, prostřednictvím Christie’s

Tamara Lempicka vytvořil portréty, které zkoumaly ženskost a nezávislost během 20. let 20. století. Malířka ve stylu art deco se stala známou svými portréty celebrit, které zkoumaly stylizovanou a vyleštěnou podobu Kubismus která se stala její značkou. Ira Perrot (blízký přítel a milenec Lempicka) je považován za doslovný projev hudby v Hudebník . To, čím obraz vyniká, je její ztvárnění modrých šatů. Lempická technika vrhání ostrých stínů s její sytou barevnou paletou dává šatům pohyb tak, že působí, jako by se vznášely ve vzduchu. Krátký lem šatů a kaskádové záhyby stále připomínají móda 20. let 20. století , což byl zlom v ženské módě. Ženy nosily slavné šaty, které ukazovaly jejich nohy a ruce, a zároveň nosily skládané sukně, které usnadňovaly tanec.

Lempička se inspiroval a studoval díla mistrů renesančních umělců a používal podobná témata s moderním přístupem. Tradičně modrou barvu můžeme vidět na šatech Panny Marie na středověkých nebo renesančních malbách. Ultramarínová modř byla vzácná a pro významné malby se používala střídmě. Zde se Lempicka nebojí použít barvu jako dominantní ohnisko portrétu. Právě tato modrá spolu s výjimečně silným použitím hladkého laku umocňuje svítivost a ladnost jejích splývavých šatů.

Dvě Fridy (1939) Frida Kahlo

Dvě Fridy od Fridy Kahlo , 1939, v Muzeu moderního umění, Mexico City, prostřednictvím Google Arts and Culture

Barevné a ručně tkané textilie Mexika jsou protkány dědictvím Frida Kahlo . Tyto oděvy přijala jako součást svého dědictví a je vidět, jak je nosí na mnoha autoportrétech a fotografiích. Slavné šaty zobrazené ve Fridě Kahlo Dvě Fridy symbolizují její spojení s oběma stranami jejího evropského a mexického dědictví.

Frida nalevo odráží její výchovu v rodině z vyšší střední třídy. Její otec byl původem z Německa a její dětský rodinný život obsahoval západní zvyky. Bílá krajka jejích šatů je symbolem stylu oblíbeného v evropské módě. Tato westernizovaná verze je v kontrastu s touhou správné Fridy přijmout své mexické dědictví nošením tradičních tehuanských šatů. Toto oblečení je něco, co podporoval její manžel Diego Rivera , zejména v jejich boji za změnu ve své zemi. To předvedlo její hrdost na nošení domorodých a tradičních oděvů z Mexika.

Kahloino oblečení je důležitým aspektem jejího života a práce. Poté, co v dětství prodělala obrnu, měla jednu nohu kratší než druhou. Její barevné sukně se pro ni staly způsobem, jak skrýt nohu způsobem, který ji chránil před pohledem. Její šatník zahrnoval šaty Tehuana, halenky huipil, reboza, květované pokrývky hlavy a starožitné šperky. Tyto oděvy je důležité si všimnout při pohledu na díla Kahlo, protože jsou ilustrací její lásky, bolesti a utrpení, které do své práce začleňuje.