6 ikonických umělkyň, které byste měli znát

Maminka , socha od umělce Louise Bourgeois

Maman, socha umělkyně Louise Bourgeois Chodník slávy historie umění je dlážděn jmény mužských umělců, ale začíná shromažďovat více umělkyň. Obecné vnímání mužského mistra a mistrovského díla je silně ovlivněno tím, že jejich ženské protějšky téměř úplně chybí v našich učebnicích a v nejvýznamnějších muzejních galeriích.

Umělkyně dnes

Ve filmovém průmyslu vyvolalo nedostatečné zastoupení žen v hlavních rolích režisérek a producentek v posledních několika letech mnoho vln pobouření. Hashtagy, které se objevují na sociálních sítích, např #OscarsSoMale ukazují, že existuje vysoká poptávka po větší viditelnosti žen.

Totéž platí pro umělecký průmysl, i když výkřik není tak hlasitý jako v Hollywoodu. Jedním z důvodů by mohlo být, že alespoň v moderním a současném umění došlo k pomalejšímu a stabilnějšímu posunu směrem k zastupování více žen. Již v roce 1943 Peggy Guggenheimová uspořádala čistě ženskou výstavu ve své nechvalně proslulé newyorské galerii Umění tohoto století , včetně příspěvků od Dorothea Tanningová a Frida Kahlo . Tento průkopnický podnik, tzv 31 žen , byla první svého druhu mimo Evropu. Od té doby se mnohé změnilo. Dnes existuje mnoho galerií zastupujících stále více umělkyň. Také na prestižních uměleckých festivalech přispívá více žen a získávají významná ocenění.

Velká únava, Camille Henrot, 2013, přes camillehenrot.fr

Umělkyně jsou však v muzejní krajině stále nedostatečně zastoupeny. Společnost poskytující informace o trhu s uměním Artnet v analýze odhalila, že mezi lety 2008 a 2018 bylo pouze 11 procent veškerého díla získaného špičkovými americkými muzei od žen. Pokud tedy jde o historické chápání umění, zbývá ještě mnoho práce, aby se zvýšila viditelnost umělkyň a jejich práce.

Zde je přehled mých oblíbených umělkyň napříč historií umění až do dneška, které oceňuji pro jejich zvládnutí více médií, pro jejich konceptuální myšlení, pro jejich zpracování témat zaměřených na ženy, a tím pro vytvoření pozoruhodného a jedinečného díla. .

Camille Henrot

Současná umělkyně francouzského původu Camille Henrot je známá prací s různými médii od filmu po asambláž a sochařství. Dokonce se pustila do Ikebany, tradiční japonské techniky aranžování květin. I když to, co dělá její práci skutečně pozoruhodnou, je její schopnost kombinovat zdánlivě protichůdné myšlenky. Ve svých komplexních uměleckých dílech staví filozofii proti popkultuře a mytologii proti vědě. Základní, všezahrnující myšlenka jejích uměleckých děl není nikdy příliš zřejmá. Camille Henrot je mistrem v elegantním balení věcí a vytváření jemné a mystické atmosféry. Teprve po ponoření do nich budete moci spojovat body.

Abychom to co nejlépe ilustrovali, uveďme si příklad: Mezi lety 2017 a 2018 vystavovala Camille Henrot Carte Blanche v Palais de Tokyo v Paříži s názvem Dny jsou psi . Zpochybnila vztahy autority a fikce, které určují naši existenci, a vzala si jednu z nejzákladnějších struktur v našich životech – týden – aby uspořádala vlastní výstavu. Zatímco roky, měsíce a dny jsou strukturovány přirozenou daností, týden je naopak fikcí, lidským vynálezem. Vyprávění za ním však nezmenšuje jeho emocionální a psychologické účinky na nás.

The Pale Fox, Camille Henrot, 2014, fotografie Andy Keate přes camillehenrot.fr

V jedné z místností vystavovala Camille Henrot svou instalaci Bledá liška , kterou dříve objednala a vyrobila Chisenhale Gallery. Používala ho k tomu, aby představovala poslední den v týdnu – neděli. Jde o pohlcující prostředí postavené na předchozím projektu Camille Henrot Grosse Fatigue (2013) – filmu oceněném cenou Stříbrný lev na 55. Benátském bienále. Zatímco Grosse Fatigue vypráví příběh vesmíru ve třinácti minutách, Bledá liška je meditací o naší společné touze porozumět světu prostřednictvím předmětů, které nás obklopují. Nashromáždila osobní materiál a překryla jej podle přemíry principů (hlavní směry, životní etapy, Leibnizovy filozofické principy), čímž vytvořila fyzický zážitek bezesné noci, katalogizační psychózu. Na svých webových stránkách uvádí, že s The Pale Fox jsem měl v úmyslu zesměšnit akt budování koherentního prostředí. Přes veškerou naši snahu a dobrou vůli vždy skončíme s oblázkem zabodnutým uvnitř jedné boty.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

Haris Epaminondas

Těžiště práce kyperského umělce se soustředí na rozsáhlé koláže a mnohovrstevné instalace. Na mezinárodní výstavu v 58. bienále v Benátkách , kombinovala nalezené materiály jako sochy, keramiku, knihy nebo fotografie, které použila k pečlivé konstrukci jedné ze svých charakteristických instalací.

sv. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografie Tony Přikryl

Podobně jako Camille Henrot, její skladby neodhalují svůj základní význam okamžitě. Co však odlišuje její práci od Camille Henrotové, je to, že své objekty nevkládá do složitých narativů a konceptuálních teorií. Místo toho jsou její instalace organizovány mnohem jednodušším způsobem a navozují pocit minimalistického řádu. Teprve při bližším pohledu na jednotlivé předměty si všimnete rozporů za zdánlivě dokonalou estetikou. Haris Epaminonda pro své kompozice používá nalezené předměty, které by si v tradičním pojetí byly navzájem naprosto cizí. Například bonsaj stojící vedle řeckého sloupu můžete najít téměř přirozeným způsobem. Umělkyně zaplétá své objekty do sítě historických a osobních významů, které jsou veřejnosti a pravděpodobně i jí samé neznámé. Přestože Haris Epaminonda neignoruje implicitní příběhy svých objektů, raději je nechává, aby svou sílu skutečně uplatnily.

VOL. 27., Haris Epaminonda, 2019, přes moussemagazine.it

Za své třicetiminutové video Chimera vyhrála Haris Epaminonda 58. bienále v Benátkách Stříbrný lev ocenění jako nadějný mladý účastník a od té doby je jednou z mezinárodních střílejících hvězd současného umění.

Stisk Akunyili Crosbyho

Njideka Akunyili Crosby se narodila v Nigérii a v současné době žije a pracuje v Los Angeles. V době dospívání její matka vyhrála v loterii o zelenou kartu a umožnila tak celé rodině přestěhovat se do Spojených států. Akunyili Crosby ve svých obrazech odráží své zkušenosti jako členka současné nigerijské diaspory. Na gigantické papírové plochy nanáší více vrstev, aby zobrazila portréty a domácí interiéry, přičemž vedle sebe stavěla hloubku a plochost.

Tato umělkyně pracuje s technikou smíšených médií obsahující mimo jiné fotografické transfery, malbu, koláž, kresbu tužkou, mramorový prach a látku. Umělkyně tak vytváří neobyčejné obrazy, které ilustrují spíše obyčejná, domácí témata, ve kterých zobrazuje sebe nebo svou rodinu. Její práce je opravdu celá o kontrastech, a to jak formálně, tak obsahově. Při bližším pohledu na detaily jejích obrazů najdete předměty jako litinový radiátor naznačující chladné zimy v New Yorku nebo například parafínovou lampu na stole, která je čerpána ze vzpomínek Akunyili Crosbyho na Nigérii.

Máma, máma a máma (předchůdci č. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, přes njikedaakunyilicrosby

Kontrasty se však neomezují pouze na výše uvedené: V roce 2016 náhle vysoká poptávka po dílech Akunyili Crosby, které produkuje pomalu, převážila nabídku. To způsobilo, že ceny jejích uměleckých děl explodovaly na trhu. Vyvrcholilo to prodejem jednoho z jejích obrazů na aukci současného umění Sotheby’s v listopadu 2016 za téměř 1 milion dolarů, což představuje nový umělecký rekord. Jen o šest měsíců později bylo dílo prodáno soukromým sběratelem za přibližně 3 miliony dolarů Christie’s London a v roce 2018 prodala další obraz za přibližně 3,5 milionu dolarů Sotheby’s New York .

Louise Bourgeois

Francouzsko-americká umělkyně je známá především svými rozsáhlými sochami, z nichž nejznámější je gigantický bronzový pavouk „Louise Bourgeois Spider“ s názvem Maman, který neustále cestuje po celém světě. S výškou devíti metrů vytvořila nadrozměrnou metaforickou reprezentaci vlastní matky, i když kresba vůbec není o odhalování tragického vztahu matky a dcery. Naopak: Socha je poctou její vlastní matce, která pracovala jako restaurátorka gobelínů v Paříži. Stejně jako pavouci obnovovala matka Bourgeois tkáň – znovu a znovu. Umělec tak vnímal pavouky jako ochranné a nápomocné tvory. Život se skládá ze zážitků a emocí. Předměty, které jsem vytvořil, je činí hmatatelnými, řekla Bourgeois jednou, aby vysvětlila své vlastní umělecké dílo.

Máma, Louise Bourgeois, 1999, přes guggenheim-bilbao.eus

Kromě tvorby soch byla také plodnou malířkou a grafikou. V letech 2017 a 2018 byla Muzeum moderního umění v New Yorku (MoMA) věnovala retrospektivu umělcova méně známého díla, nazvaného An Unfolding Portrait, převážně zaměřenou na její obrazy, skici a grafiky.

Můj vnitřní život, Louise Bourgeois, 2008, přes moma.org

Ať už multitalentovaný umělec použil jakákoli média, Bourgeois se většinou soustředil na zkoumání témat točících se kolem domácnosti a rodiny, sexuality a těla, stejně jako smrti a nevědomí.

Gabriela Munterová

Pokud víš Wassily Kandinsky , Gabriele Münter by pro vás nemělo být menší jméno. Expresionistická umělkyně byla v čele skupiny Modrý jezdec (Modrý jezdec) a spolupracovala s Kandinským, s nímž se setkala při svých hodinách na Falangové škole v Mnichově, avantgardní instituci založené ruským umělcem.

Portrét Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, přes Wikimedia Commons

Kandinsky byl první, kdo si na počátku 20. století všiml malířských schopností Gabriele Münterové. Jejich profesionální vztah – který se nakonec změnil i v osobní – trval téměř deset let. Během této doby se Gabriele Münter naučila pracovat s paletovým nožem a silnými tahy štětcem a uplatňovala techniky odvozené z francouzštiny. Velké kočky .

Se svými nově nabytými dovednostmi začala malovat krajiny, autoportréty a domácí interiéry v sytých barvách, zjednodušených formách a výrazných liniích. Po nějaké době se Gabriele Münter začala hlouběji zajímat o malbu ducha moderní civilizace, společné téma expresionistických umělců. Stejně jako život sám je kumulací pomíjivých okamžiků, začala zachycovat okamžité vizuální zážitky, většinou rychlým a spontánním způsobem.

Žlutý dům (Žlutý dům), Gabriele Münter, 1908, přes Wikiart

K vyvolání pocitů použila živé barvy a vytvořila poetické krajiny, které jsou bohaté na fantazii a představivost. Vztah Gabriele Münterové a Kandinského silně ovlivnil tvorbu ruského umělce. Začal přejímat používání sytých barev Gabriele Münterové a její expresionistický styl ve svých vlastních obrazech.

Jejich vztah skončil, když Kandinskij musel opustit Německo během první světové války, a tak se musel vrátit do Ruska. Od té chvíle žili Gabriele Münter i Kandinsky životem odděleným od sebe, ale jejich vzájemný vliv na díla toho druhého zůstal.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp je pravděpodobně jednou z nejtalentovanějších umělkyň v dějinách umění. Pracovala mimo jiné jako malířka, sochařka, textilní a scénografka a tanečnice.

Scénografie pro König Hirsch (The Stag King), Sophie Taeuber-Arp, 1918, fotografie E. LinckŠvýcarský umělec začínal jako instruktor vyšívání, tkaní a textilního designu na Univerzitě umění v Curychu. V roce 1915 potkala svého budoucího manžela Jean Hans Arp , který uprchl z německé armády během první světové války a který se přidal k Dada pohyb . Seznámil ji s hnutím a následně se účastnila představení, která pořádala dadaisté v Cabaret Voltaire. Přispěla jako tanečnice, choreografka a loutkoherečka. Kromě toho navrhovala loutky, kostýmy a kulisy pro svá vlastní i jiná vystoupení umělců na festivalu Kabaret Voltaire .

Kromě vystupování na akcích dada vytvářela Sophie Taeuber-Arp textilní a grafická díla, která patří spolu s díly Pieta Mondriana a Kasimira Maleviče k nejstarším konstruktivistickým dílům v dějinách umění.

Gleichgewicht (Balance), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, prostřednictvím Wikimedia Commons Také byla jednou z prvních umělkyň, které ve svých dílech použily puntíky. Sophie Taeuber-Arp měla vynikající pochopení pro sofistikované geometrické formy, pro abstrakci a pro použití barev. Její práce byly často považovány za průkopnické a zároveň radostné.

V roce 1943 Sophie Taeuber-Arp zemřela kvůli nehodě v domě Maxe Billa. Když bylo pozdě, rozhodli se s manželem zůstat přes noc. Byla chladná zimní noc a Sophie Taeuber-Arp zapnula stará kamna ve svém malém pokoji pro hosty. Druhý den ji manžel našel mrtvou kvůli otravě oxidem uhelnatým.

Sophie Taeuber-Arp a její manžel Jean Arp spolu velmi úzce spolupracovali při různých společných projektech. Byli jedním z mála párů v dějinách umění, které nezapadaly do tradičních rolí umělce a jeho múzy. Místo toho se setkali v úrovni očí a byli stejně respektováni a oceňováni svými přáteli – umělci – Marcel Duchamp a Joan Miro jsou dva z nich – a uměleckými kritiky za jejich díla