7 děl, která definují odkaz Thomase Gainsborougha

Thomas Gainsborough byl velkým mistrem anglického portrétování, který dosáhl úspěchu již za svého života. Přestože portrétní malba měla praktickou funkci při budování statutu a pověsti zadavatele, Gainsboroughovi se podařilo rozšířit hranice tradice, vnést do svých děl inovaci, cit a udivující éterickou krásu. Níže je 7 obrazů vytvořených skvělým Thomasem Gainsboroughem, které předvádějí jeho dovednosti a inovativního ducha.

1. Vlast Thomase Gainsborougha: Sudbury, Suffolk

Thomas Gainsborough strávil první desetiletí svého života v Suffolk County ve východní Anglii. Jeho nejstarší práce obsahovaly pohledy na místní přírodu. Jak dospíval, Gainsborough se rozhodl přejít na portrétní malbu, aby vydělal peníze pro svou ženu a dcery. Během let se stále hlouběji nořil do anglické vysoké společnosti, ale jeho láska k venkovské přírodě zůstala na místě.

Během celé své kariéry se Gainsborough ve svých dílech vracel na pole, lesy a kopce v Suffolku. Mnohé z nich maloval jen pro sebe, protože věděl, že jeho zámožní komisaři nebudou chtít platit za obrázky venkovských prostředí a rolníků. Poté, co opustil Sudbury, Gainsborough přestal malovat krajiny přímo z přírody a místo toho se spoléhal na svou paměť a staré náčrty. V Gainsboroughově době se tradice krajiny opírala o vytvoření její idealizované verze založené na nedokonalých prvcích reality. Ve svých pozdějších letech Gainsborough posunul konstrukci reality na novou úroveň a na svůj stůl uspořádal malé lesy z kamenů, zelení a květáku.

2. Psi malovaní jako aristokracie

Psi byli častými hosty na obrazech Thomase Gainsborougha a často se objevovali bez svých majitelů. Pomořané patřili Carlu Friedrichu Abelovi, prominentnímu houslistovi a jednomu z Gainsboroughových nejbližších přátel. Pověst, kterou začal někdo blízký Abelovi, říkala, že když Gainsborough přinesl portrét svému příteli, Abelovi psi na něj začali štěkat, protože věřili, že namalovaná zvířata jsou skutečná. Obraz pro Abela byl nejen znakem sentimentality, ale také symbolem společenského postavení: v té době byl pomeranian nejdražším a nejmódnějším psem, kterého jste mohli vlastnit.

Gainsboroughova láska k psi byl patrný po celou jeho kariéru. Maloval je ne jako tiché společníky svých bohatých komisařů, ale jako modely v jejich vlastních právech, vykreslující uši a nosy stejně pečlivě jako tváře svých klientů. Někteří věří, že jeho láska ke zvířatům začala již v dětství. Gainsboroughův rodný region Suffolk měl v areálu mnoho pastvin a následně pasteveckých psů. Gainsboroughova nejstarší dochovaná malba psa odkazovala na jeho pozdní pubertu a zobrazovala bullteriéra jménem Bumper obklopeného východoanglickou krajinou.

3. Autoportréty

Stejně jako Thomas Gainsborough nenáviděl malování portrétů, cítil ještě větší odpor vůči malbě. Zatímco ostatní viděl autoportrét jako akt vyjádření uměleckého sebevědomí a propagaci svého podnikání, pro Gainsborough tato povrchní ješitnost prostě nedávala smysl. Obecně byl lhostejný ke společenským rituálům a dynamice moci ve společnosti kolem něj, což někdy ovlivnilo jeho popularitu mezi bohatými komisaři, kteří očekávali, že se umělci budou chovat jako jejich služebníci.

Přesto jich Gainsborough pár nechal autoportréty v různých etapách jeho života. Nejnovější portrét namalovaný pouhý rok před umělcovou smrtí ukázal nejen vývoj jeho uměleckého stylu směrem k více impresionistickému způsobu, ale také vývoj jeho charakteru. Ve srovnání s autoportrétem mladého Gainsborougha z roku 1759 už umělec nebyl romantickým mladým mužem, ale velkým mistrem, který si zvykl na svět, ve kterém žil, i když na něj neudělal dojem.

4. Portrét Elizabeth Moodyové

V době umělecké kariéry Thomase Gainsborougha byla portrétní malba dynamická, ale ne ve smyslu reprezentace pohybu nebo pohybu. Zatímco malované postavy stály na místě, žily si dál svým vlastním životem, měnily oblečení nebo symboly postavení.

Mnoho klientů Gainsborough mu posílalo portréty, aby přemaloval šaty, které vyšly z módy, přidal nově získané šperky nebo vyměnil účesy za lichotivější. Pro úpravu práce však byly vážnější důvody, jako porod nebo smrt. Portrét paní Elizabeth Moodyové představoval obě tyto příležitosti. Originální obraz představil Alžbětu jako mladou nevěstu, která stojí sama a jemně se dotýká šňůry perel na krku.

O pět let později zemřela a nechala svého manžela – bezútěšného vdovce a svobodného otce dvou synů – samotného. Jako poslední gesto náklonnosti požádal Gainsborougha, aby dílo přemaloval a ke skladbě přidal své děti. O rok později se však pan Moody znovu oženil, k čemuž jeho děti velmi pohrdaly. Rodinný vztah se tak zhoršil, že se Elizabethin nejmladší syn Thomas rozhodl dát portrét do veřejné umělecké galerie, aby jej nevlastnila jeho nevlastní matka.

5. The Artist's Daughters Chasing a Butterfly

Přestože Thomas Gainsborough obecně nebyl velkým fanouškem malování lidí nebo jakékoli interakce s nimi, rozhodně si užíval zobrazování členů své rodiny. Jeho dcery Mary a Margaret byly Gainsboroughovými oblíbenými modelkami, malované znovu a znovu od jeho raných let až do dospělosti. Jedním z jeho nejznámějších děl je portrét Marie a Margaret honících bílého motýla. Ukazuje dynamiku, dětskou zvídavost a spontánnost, to vše mírně znepokojuje očekávání bolesti a křivdy, protože mladší Margaret je jen okamžik od toho, aby svou drobnou rukou popadla nebezpečnou trnitou rostlinu.

V době Gainsborougha se koncept dětství jako šťastného, ​​bezstarostného a požehnaného období života vynořoval pouze kvůli měnícímu se životnímu stylu a společenským konvencím. Před touto dobou, v umění i ve skutečnosti, děti byli považováni za malé dospělé, menší velikosti a dočasně méně funkční. Kromě společenských konvencí a rodičovské lásky mohl mít umělec smutný důvod, proč malovat Mary a Margaret tak často. Gainsborough byl s největší pravděpodobností hluboce traumatizován ztrátou své první dcery, také jménem Mary, která zemřela v dětství. Maloval tedy každou etapu života svých přeživších dětí s velkou láskou a opatrností, protože se bál nebezpečí, která by jeho děvčata mohla potkat.

6. The Blue Boy: Gainsborough’s Masterpiece

Obraz z roku 1770 Modrý chlapec je jedním z hlavních mistrovských děl Gainsborough a obraz, který zanechal významný dopad na umění. Většina odborníků tomu věří Modrý chlapec je portrétem Gainsborougha Duponta, umělcova synovce a jeho jediného známého asistenta. Dupont vyrostl v poměrně úspěšného umělce pracujícího podobným způsobem jako jeho strýc.

I když význam Modrý chlapec pro širokou veřejnost v průběhu let ubývalo, v roce 1921 se stal nejdražším obrazem na světě, prodaný americkému železničnímu magnátovi Henrymu Huntingtonovi za přibližně 10 milionů dolarů v dnešní měně. Někteří historici tomu věří Oscar Wilde vizuální estetika částečně spoléhala na módu a pocit Modrý chlapec . Obraz rychle překročil hranice tradiční mužnosti, chlapec v modrém obleku se stal symbolem genderové nejednoznačnosti a krásy přesahující společenské normy. Slavný popový umělec Robert Rauschenberg uvedl, že Modrý chlapec motivoval k umělecké dráze.

7. Thomas Gainsborough’s Glass Paintings: The Fragile Magic

Kromě tradiční malby na plátno se Gainsborough v pozdějších letech zabýval reverzní malbou na sklo. Umělec vytvořil obraz olejovými barvami na tabuli skla a poté jej vložil do a tmavý showbox se svíčkami osvětlující obraz z malované strany. Výsledkem byl osvětlený, živý a magický obraz.

Protože se divák musel dívat na osvětlené sklo z jeho rubové strany, musel být i proces malby obrácen dozadu. Gainsborough začal malováním světel a drobných detailů, než je zakryl pevným pozadím. Umělec také manipuloval se světlem svíček – aby v některých oblastech své práce vypadal tepleji, nanesl jako základní nátěr tenkou vrstvu červené barvy. Thomas Gainsborough vytvořil sérii deseti malovaných skleněných panelů, které nyní představují velkou výzvu pro konzervátory umění. V době Gainsborough bylo sklo mnohem křehčí a reaktivnější vůči životnímu prostředí, takže panely nyní vyžadují neustálou péči a omezené vystavení veřejnosti.