Co je minimalismus? Recenze stylu vizuálního umění

Socha z roku 2000 od Waltera DeMaria , 1992, prostřednictvím LACMA

Minimalismus proměnil moderní umění tak, jak jej nyní poznáváme. Jeho sochařští předchůdci Donald Judd, Robert Morris a Sol LeWitt, který se od 60. let z velké části soustředil na hudbu a estetiku, nastartovali desítky let trvající hledání tvůrčího osvobození. Tento historický přehled podrobně popisuje jeho metamorfózu napříč věky.

Kdo inspiroval minimalismus?

č. VI / Skladba č. II od Pieta Mondriana , 1920, přes Tate, Londýn

Redukcionistické tendence modernismu položily základy minimalismu dlouho předtím, než se tento termín zhmotnil. Ačkoli New York City nakonec popularitu žánru inkubovalo v polovině 20. století, jeho počátky se datují již do roku 1915, kdy avantgardní umělec Kasimir Malevich namaloval svůj svéhlavý Černé náměstí . Spolu s Vladimirem Tatlinem se ruští vůdci konkrétně zajímali o spojení vznikajících technologií s každodenním životem, sestavování společných předmětů, aby umění ostříhalo do jeho nejpravdivější podoby. Obrazy již nesloužily jako objektivní zrcadla trojrozměrné společnosti, ale spíše jako sebereferenční objekty, zkoumající způsoby, kterými by povrch mohl překonat svá vlastní fyzická omezení. Jiní průkopníci jako nizozemský abstrakcionista Piet Mondrian, jehož jednoduché, ale silné obrazy osvětlovaly plochost plátna, pokračovali v této praxi po celá dvacátá léta. Rané abstraktní kompozice jako on č. VI (1920) odhalit tuto generační touhu eliminovat figurativní techniky a redukovat realitu na řadu geometrických forem.

Pocta náměstí od Josefa Alberse , 1959, přes The Guggenheim Museum, New York

Tito předchůdci katalyzovali objektivní přehodnocení toho, co to znamená být umělcem. To by se dalo z velké části připsat uznání 20. let minulého století Marcel Duchamp, kteří se křižovali proti myšlence, že umění by mělo být motivováno pouze emocionálně. Věřil, že veškeré revoluční umění by mělo nutit diváky k dalšímu zkoumání systémů moci, a tím k odhalení hlubšího významu. V roce 1937 proto-minimalistický sochař Constantin Brancusi testoval tuto myšlenku tím, že cestoval do Rumunska a postavil svůj 98 stop vysoký Nekonečný sloup , kosočtverečná věž vzdávající hold padlým místním vojákům. Malíř Josef Albers poté upevnil minimalistické myšlenky v moderním uměleckém vzdělávání zdůrazněním iluzivní obrazové hloubky po celou dobu svého působení na Black Mountain College. Jeho Pocta náměstí (1950) ilustruje tyto klíčové principy prostřednictvím kontrastních barev, tvarů a stínů, zakotvených v empirických studiích designu. Následovali malíři Color Field Ad Reinhardt a Mark Rothko brzy prosadil další nový vizuální styl, zdůrazňující estetickou jednoduchost a pigmentované palety.

Kdy začal minimalismus?

Pohled na instalaci 16 Američanů podle Soichi Sunami , 1959, přes MoMA, New York

Původní Minimalisté zamýšleli vytvořit ještě doslovnější zobrazení světa kolem sebe. Věřící umění by mělo odkazovat pouze na sebe, mnozí přešli od obrazové malby k sochařství nebo tisku, aby zlepšili své techniky. Frank Stella, obecně považovaný za prvního amerického minimalistu, vtrhl na newyorskou scénu s bouřlivým řinčením v roce 1959 díky své slavné Černé obrazy. Představeno na semináři MoMA 16 Američanů výstava, tato série pruhovaných pláten natažených přes zubaté dřevěné rámy, staví vedle sebe precedenty z Willem de Kooning a Franz Kline. Absence jakékoli lidské stopy, abstrakce Stelly také převzala vlastnosti daného prostoru, přičemž zůstala zcela plochá, mrtvá a odvážná, bez subjektivního rozhodování. Tyto základní černé malby zajistil nedbale, ale s přesvědčením, vyznávaje jejich objektivitu pyšně. Jeho ikonický rok 1964 citát později se vyvinul v teoretickou mantru pro minimalisty po celém světě: co vidíte, to vidíte.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

1964 výstava Green Gallery

Nepojmenovaná podle Donald Judd , 1963, prostřednictvím The Judd Foundation, New York

Během roku v newyorské Green Gallery rozkvetla vizionářská kreativní sestava. Kurátor Richard Bellamy koordinoval stěžejní výstavní sérii Nová práce předvádět nové hlasy v různých médiích. Robert Morris, vyrobený z komerční překližky, mával svou Bez názvu (Rohový díl) (1964), rámování prostoru z nového úhlu pohledu. Mezitím, A Flavin odhalil své legendární fluorescenční situace, jejichž reakce dokázala, že každodenní materiály mohou výmluvně infiltrovat vysokou společnost. Flavinova zlatá, růžová a červená, červená (1964), vůbec první podlahový kousek Minimalisty, který stál mezi ostatními vystavenými elektrickými uměleckými díly. Rabble-burer Donald Judd zde také necelý rok předtím svou úderností debutoval jako seriózní sochař Bez názvu (1963) , která se po celou dobu své krátké obsazenosti představila v celkem pěti představeních. Navzdory prolínání v Green se však žádný z těchto průkopníků ve skutečnosti neoznačil za minimalisty. Přední učenci se zavázali navrhnout nový slovník pro popis tohoto monumentálního hnutí.

Eseje publikované o minimalismu

Jedna A Tři židle podle Josef Košuth , 1965, přes MoMA, New York

Kritické eseje publikované v polovině 60. let nakonec vytvořily převládající minimalistické paradigma. V roce 1965 vydal Donald Judd své pojednání Specifické objekty , ve kterém vlastně odmítl označení minimalismus. Místo toho tvrdil, že žánr by měl být uznáván jako specifické předměty, ergo umělecká kategorie, kterou nelze snadno klasifikovat jako pouze malbu nebo sochu. Minimalisté obvykle spojovali tato dvě média šikmo a převraceli tradiční evropské konvence ve prospěch fenomenologie . (Tato filozofická studie vážila subjektivní zkušenost nad objektivní pravdou a zdůrazňovala, jak se reakce na umělecké dílo liší v různých kontextech.) Většina se také zaměřila na co nejvěrnější replikaci trojrozměrných objektů, vymýcení autorství pomocí průmyslových nástrojů a objemných, nekonformních konfigurací. Kvůli tomuto zvýšenému zájmu o koncepci na rozdíl od procedury se také minimalismus objevil souběžně s Konceptuální umění. Milníky jako Joseph Kosuth Jedna a tři židle (1965) vyhlásil otázku desetiletí : je to umění, předmět nebo ani jedno?

Primární struktury V Židovském muzeu

Instalační pohled na primární struktury: Mladší američtí a britští sochaři , 1966, přes The Jewish Museum, New York

Minimalismus zažil svůj rozkvět v roce 1966. Ten rok hostilo Židovské muzeum primární struktury, senzační přehlídka více než 40 významných umělců. Výstava, která je uspořádána do deseti galerijních prostor oddělených podchodem, zaznamenala od počátku své existence také pozitivní mediální úspěch. Pečlivě upravené stěny představily nedávné výstupy relativně významného Tonyho Smithe po boku Sola LeWitta, který odhalil svůj Bez názvu (1966) , dřevěná podlahová socha prorokující jeho pozdější dílo. Primární struktury také uvedla do centra pozornosti začínající kreativce, jako je Anne Truitt Mořská zahrada (1964) , později známá svými rozsáhlými instalacemi. Obrazy na vrcholu minimalismu a barevného pole, jako je Ellsworth Kelly Modrý disk (1963), se také objevil. Učiněním tohoto, Primární struktury navždy změnil myšlenku galerijního prostoru a postavil do popředí soudržný koncept, spíše než aby zkoumal jeho jednotlivé části. Ideální umělec už jen netvořil. Nyní se tito snílci pustili do navrhování.

Systémová malba V Guggenheimu

Lawrence Alloway Instalace systémového nátěru , 1966, přes The Guggenheim Museum, New York

Ostatní instituce rychle napodobovaly tuto tradici. V září 1966 Guggenheim slavil Systémová malba , sloučení amerických uměleckých forem, jako je Hard-Edge a tvarovaná plátna. Geometrická abstrakce byla na této prezentaci nejlepších newyorských talentů upřednostňována, ačkoli popis minimalismu v celém katalogu chyběl. Jakkoli bylo toto rozhodnutí účelové, umělci na očích vypadali nepochybně minimalisticky. Neila Williamse Sartorial Habits of Billy Bo (1966) visel kolmo na Franka Stelly Wolfeboro IV (1966) ve Vysoké galerii, dva skvosty mezi vzájemně provázanou sestavou. Západní výstavní prostory se v této době také obecně měnily, přičemž povinnosti klasických muzeí se rozšiřovaly. umělecké sály, Německý pohled na současný galerijní prostor se začal objevovat po celé Evropě, uspořádaný na základě rotace. Družstevníci jako New York’s Artists Space neustále poskytovala platformy pro inovátory k vyjádření jedinečných hypotéz. Výsledné recenze byly nadšené a posouvaly veřejné vnímání toho, v co by se minimalismus mohl skutečně změnit.

Posun k post-minimalismu

Bez názvu (L-Beams) podle Robert Morris , 1965, přes The Whitney Museum, New York

Koncem 60. let se minimalismus rozcházel do různorodých teorií. Robert Morris vedl s Poznámky k sochařství 1-3 , jeho eseje z roku 1966 označující formální rámec, o který se mohou vrstevníci ucházet. Zejména hodnotil Gestalt psychologie, který předpokládá uspořádaný celek je větší než součet jeho složek. Morris plně vyjádřil tuto implikaci zdůrazněním částí spojených dohromady [k] vytvoření maximální odolnosti vůči vjemové separaci, která nevyžaduje žádné pravidelné jednotky nebo symetrické intervaly. Když tento předpoklad otestoval dříve, aktualizoval svou dosud nejpozoruhodnější sochu, (Bez názvu) (L-Beams). Tři identické mnohostěny ve tvaru písmene L vyvážené v různých polohách, závislé na sobě a klamající diváky, aby vnímali různé velikosti. (Pokaždé to mělo jinou sestavu.) Později také postuloval, jak je uspořádání částí doslovným aspektem fyzické existence věci. Tato zvýšená přitažlivost k materiálům bez kompromisů připravila půdu pro to, co by se později nazývalo post-minimalismus.

Pohřbená kostka obsahující objekt důležitý, ale malou hodnotu podle Sol LeWitt , 1968, přes The No Show Museum, Curych

Zatímco minimalismus kvetl do další fáze, jeho učedníci odhalili jeho kořeny. Sol LeWitt posunul Morrisův model dále v roce 1967, když rozeslal svou esej Odstavce o konceptuálním umění. Většina lidí ho považovala za oficiální manifest hnutí a potvrdil, že to, jak umělecké dílo vypadá, není příliš důležité. LeWitt spíše věřil, že bez ohledu na to, jakou podobu nakonec může mít, musí začít myšlenkou, čímž prohlašuje, že jde o proces koncepce a realizace, o který se umělec zajímá. Tyto principy ho následovaly po celou jeho významnou čtyřicetiletou kariéru, nicméně prohlásil, že v roce 1968 minimalismus úplně opustil. Na rozloučenou pak složil Pohřbená kostka obsahující objekt důležitý, ale malou hodnotu , doslova zakopání kostky v místní zahradě. Dnes z této pomíjivé události zbyly jen fotografie, ohlašující zánik minulé epochy. LeWitt to pokřtil smrtí autorského postoje.

Nová generace post-minimalistů

Spirálové molo podle Robert Smithson , 1970, prostřednictvím The Holt Smithson Foundation, Santa Fe

Na počátku 70. let se minimalismus rozrostl do několika samostatných uměleckých odnoží. Předkové Judd a Morris inspirovali procesního umělce Richard Serra, jehož site-specific sochařství Shift (1972) demonstruje post-minimalistickou zvědavost s prolínáním venkovních a vnitřních konvencí. Přestože byl jeho vůbec prvním vpádem do divočiny, nevynalezl úplně kolo. Sestavil krajan Robert Smithson Spirálové molo o dva roky dříve spirálovitá struktura vyrobená ze šesti tisíc tun černých hornin. Do rozjetého vlaku se vrhli i další zemští umělci, jako Walter De Maria. Mezitím rodící se Bruce Nauman vzdal hold Flavinovi tím, že se svým neonem zařadil do venkovních světelných instalací La Pitch (1972) . Ne všichni kritici se však z tohoto kreativního výstřelku radovali. Historik Michael Fried napsal ostrou analýzu Umělecké fórum koncem 60. let 20. století , obviňovat minimalisty z prosazování ideologie spíše než umění. Fried uznal jeho význam, ale zároveň se vyhýbal přirozené teatrálnosti minimalismu. Na obzoru se rozsvítilo nezbytné zúčtování.

Feministická revoluce v umění

Sami jsme bezmocní Společně jsme silní od See Red Women’s Workshop , 1976, přes The Victoria and Albert Museum, Londýn

Během roku 1974 brzy vznikla rebelie. Propagace výstavy na Galerie Leo Castelli nahý Robert Morris nafoukl hruď pokrytou zlatými řetězy, fotografoval nasadit helmu z nacistické éry. Demonstranti, kteří se dříve účastnili Hnutí za občanská práva, se nad tímto předpojatým portrétem oprávněně zděsili a požadovali stažení obrázku. Je pozoruhodné, že mnoho námitek byly ženy, které se poté zaměřily na širší problém genderové a rasové rovnosti. To, co následně následovalo, lze popsat pouze jako fenomenální dominový efekt, který převálcuje každý kout současného průmyslu. Umělkyně, které se připojily k druhé vlně feminismu v USA vyrazil do ulic do demonstračních galerií popř muzeí věřil, že podporuje nespravedlivé praktiky. Brzy zakládaly ryze ženské mastheady časopisy jako např hereze, a disertační práce jako Linda Nochlin Proč neexistovaly žádné skvělé umělkyně obíhal svět. Feministické letáky, které společně prohlašují, že jsme silní, vykreslují budoucnost bohatou na rozmanitost.

Dinner Party podle Judy Chicago , 1974, přes The Brooklyn Museum

Netrvalo dlouho a tato feministická statečnost se projevila v umění. Vanguards vedli kampaň proti post-minimalistickému poli ovládanému muži tím, že se snažili sesadit z trůnu Napájení nerovnováhy a brutality. Judy Chicago byla kapitánkou této honičky The Dinner Party (1974) , keramická plastika znázorňující slavnostní hostinu. Zde odpočívají zlaté kalichy a porcelán malovaný porcelánem vedle prostírání představujících významné ženy z historie a přeměňují tak stereotypní domácí sféru. (Chicago nastavilo Workshop feministického studia a ženská budova Ručně vyráběné, řemeslně založené a symbolické kompozice také vyrostly z touhy rozvrátit status quo. Lynda Benglis souběžně experimentovala s litím pryskyřice k výrobě Jezte maso (1975) , zatímco Eva Hesseová dosáhl podobné návratnosti díky latexu, sklolaminátu a plastu. Nancy Graves se ve své vážené sérii oháněla útržky zvířecí kůže a kostí Velbloudi (1968) a Out Of Fosils (1977), sochy tak živé, že jsou téměř neskutečné. Zvýšené úsilí o dekonstrukci minimalistického monolitu se projevilo během nadcházejících desetiletí.

Minimalismus v pozdějších letech

Nepojmenovaná podle Donald Judd , 1991, přes MoMA, New York

Přesto první Minimalisté úplně nespadli z radaru. Judd pracoval až do své smrti v roce 1994 a rozšířil své používání nekonvenčních nástrojů na hliník i smalt. v Bez názvu (1980) , regeneroval předchozí motiv stohu pomocí oceli, hliníku a plexiskla, pečlivě se staral o každý detail. Potom Judd uspořádal pět barevných sloupů do své smaltované podlahové sochy Bez názvu (1991), zahlazující stopy kompozičního ohniska. Walter De Maria nainstalován Socha z roku 2000 o rok později v Curychu, umístění dvou tisíc polygonálních sádrových tyčí přes Kunsthaus. LeWitt se pak obrátil ke kresleným kresbám jako Nákres zdi #1268 (2005), vykreslený přímo na stěně galerie, aby připomínal sochu. Ačkoli Morris v 70. letech změnil figurální tvorbu, nevyhnutelně se vrátil k sochařství Bronzová brána (2005), oblouk z oceli cor-ten rozdělující zahradní pavilon v Itálii. Vzpomínal na poslední ukázat v galerii Leo Castelli před úmrtím v roce 2018.

Minimalismus ve vizuálním umění dnes

Nákres zdi #1268 od Sol LeWitt , 2005, přes The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Dnes se minimalismus nejčastěji používá jako hovorové slovo k označení jednoduchosti. Důsledky tohoto žánru, zbavené jeho základů, sahají od domácích dekorací po automobily, filmovou tvorbu a dokonce i psaní. V umělecké sféře však minimalismus nepopiratelně vyvolává vzpomínky na radikální dobu v dějinách lidstva, boj vpřed za svobodu, o který mnozí bojují dodnes. Jakkoli to mohlo být neúmyslné, zahájilo to demokratičtější uměleckou éru, kdy si ženy, barevní lidé a další marginalizované skupiny skutečně mohly dovolit místo u stolu. Minimalismus také prolomil bariéry mezi typickými médii a zároveň způsobil revoluci jak pro umělce, tak pro diváky. Jeho nástupci tak účinně rozložili poválečnou americkou převládající uměleckou hierarchii, které kdysi velel vlivný kritik. Klement Greenberg. Tyto důsledky nelze nikdy zvrátit. Ale pro ty odpadlické minimalisty, kteří usilovali o počáteční povstání v 60. letech, je možná přesně tohle.