Konceptuální umění: Vysvětlení revolučního hnutí
Jedna a tři židle od Josepha Kosutha , 1965, MoMA
Původně pocházející z minimalismus Konceptuální umění se stalo souhrnným označením pro veškerý další vývoj tendencí v abstraktním umění, které zdůrazňovaly myšlenku díla. Přesahující napříč média, styly a časová období Konceptuální umění bylo revolucí, která zpochybnila modernistické představy o „umění“. Čtěte dále pro shrnutí hnutí a jeho kulturního dopadu.
Konceptuální umění: Zpochybňování umění samotného
Pracovní kresby a další viditelné věci na papíře, které nemusí být nutně považovány za umění Výstava Mel Bochner, 1966, School of Visual Arts, New York
První výstava Mela Bochnera Pracovní kresby a další viditelné věci na papíře, které nemusí být nutně považovány za umění vystavování různých uměleckých knih v newyorské galerii je zásadní událostí v dějinách konceptuálního umění. Nakonec to byl se svým esejem americký konceptuální umělec Sol Lewitt Paragrafy o konceptuálním umění která vydláždila cestu konceptuálnímu umění jako přijímané nové umělecké formě. Ve své slavné eseji publikované v Artforum v červnu 1967 Sol Lewitt napsal:
Když umělec používá konceptuální formu umění, znamená to, že veškeré plánování a rozhodnutí jsou učiněna předem a realizace je povrchní záležitost. Myšlenka se stává strojem, který dělá umění.
Kromě toho Lewitt definuje konceptuální umění jako neteoretické a neilustrativní teorie, ale jako intuitivní, spojené se všemi typy mentálních procesů a jako bezúčelné. Konceptuální umění často zpochybňuje povahu umění samotného. Ve své definici konceptuálního umění umělec Joseph Kosuth v roce 1969 definuje umění jako tautologii a vysvětluje: Jediným nárokem umění je umění. Umění je definicí umění. (citát z Umění po filozofii, 1969) Joseph Kosuth sám reflektoval umění jako tautologii v mnoha svých uměleckých dílech.
Hodiny (jedna a pět), Anglická/latinská verze od Josepha Kosutha , 1965, Tate
S jeho seriálem Umění jako nápad jako nápad a umělecká díla jako např Jedna a tři židle (1965) nebo Hodiny (jedna a pět) Výstavní verze V roce 1965 se Kosuth zamýšlí nad různými kódy pro jednu židli: vizuální kód, verbální kód a kód v řeči předmětů, tedy židle ze dřeva, jak je vysvětleno v popisu kolekce MoMA. Pro Kosutha lze hodnotu umělce vážit podle toho, jak moc zpochybňovali povahu umění (citát z Umění po filozofii, 1969). Umělcova citace ukazuje: Konceptuální umění bylo nejen novou radikální formou umění, ale také opačným chápáním pohledu Clementa Greenberga na moderní umění, který byl v té době v USA velmi prominentní.
Marcel Duchamp, hotové a konceptuální umění
I když konceptuální umění většinou souvisí s obdobím 60. a 70. let 20. století, myšlenka za ním sahá až k umění Marcela Duchampa, a tedy k začátek 20čtstoletí . V jeho textu Umění po filozofii, Joseph Kosuth popisuje Marcela Duchampa jako umělce, který jako první nastolil otázku po funkci umění. Píše: Událost, která umožnila pochopit, že je možné ‚mluvit jiným jazykem‘ a přitom mít v umění smysl, byla první bez pomoci Marcela Duchampa. Hotový .
Kašna od Marcela Duchampa, 1917 (replika 1964), Tate
Dnes Marcel Duchamp bývá označován za předchůdce konceptuálního umění a jeho readymade Kašna z roku 1917 je často uváděn jako první umělecké dílo konceptuálního umění. Zatímco Amerika byla centrem konceptualismu, umělecké hnutí bylo mezinárodní. Zatímco forma, barva, rozměry a materiál se lišily kontinent od kontinentu a také umělec od umělce, různá umělecká díla si byla podobná v přístupu k vyjádření myšlenky nad řemeslným zpracováním a konečným uměleckým dílem.
Netradiční metody a materiály
Mnoho umělců může být také smířeno z hlediska kritiky kapitalismu a stále více komercializovaného uměleckého světa. Stejně jako Marcel Duchamp proto mnoho umělců používalo každodenní materiál nebo záměrně vyrábělo umělecká díla, která bylo těžké prodat – nebo si dokonce sami vytvořili umělecká díla jako umělec Bruce McLean ve své performativní práci. Pose Work for Sokl v roce 1971.
Pose Work for Sokl od Bruce McLeana , 1971, Tanya Leighton Gallery
V archiv Tate Modern , Londýn, představení v Situation Gallery v roce 1971 od Bruce McLeana je popsáno jako ironický a vtipný komentář k tomu, co považoval za pompézní monumentalitu velkých ležících soch Henryho Moora na soklu. Sochy McLeana i Moorea zaujmou zvláště organickou formou, která v jednom případě vyplývá ze samotného skutečného těla, v druhém případě reprodukuje tuto velmi reálnou fyzickou podobu v bronzu.
Ležící postava od Henryho Moora , 1938, Soukromá sbírka
Radikální pozice
Baví vás tento článek?
Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu
Děkuji!Zatímco pro mnoho diváků umění mohlo být obtížné klasifikovat výkon Bruce McLeana Pose Work for Sokl jako umění na prvním místě představil italský konceptuální umělec Piero Manzoni v roce 1961 umělecké dílo, které nechalo zmatené i zkušené umělecké diváky. Titulek Zatracený umělec (umělcovy sračky) již odkazuje na provokaci, které chtěl Manzoni svým uměleckým dílem dosáhnout. Zatracený umělec (umělcovy sračky) sestává z 90 plechovek, z nichž každá – jak název napovídá – naplněná 30 gramy fekálií. Štítek na plechovkách uvádí v italštině, angličtině, francouzštině a němčině:Umělcova hovna/Obsah 30 g netto/Čerstvě zachovalé/Vyrobeno a pocínováno v květnu 1961.
Merda d'artista (umělecké sračky) od Piera Manzoniho , 1961, Soukromá sbírka
Jen málo konceptuálních uměleckých děl v dějinách umění kombinuje provokaci a koncept tak radikálním způsobem. Vystavením uměleckých exkrementů Manzoni spojil protiklady vysokého umění a biologického plýtvání nápadem a objektem v plechové plechovce o rozměrech 4,8 x 6,5 centimetru. Toto umělecké dílo je navíc ironickým komentářem k mechanismům reklamního průmyslu 60. let. Další konceptuální dílo, které způsobilo a skandál když byl poprvé vystaven v roce 1976, vytvořila ho americká umělkyně Mary Kelly. Mary Kelly se ve svých dílech zabývá především feministickými tématy. V sérii několika dílů v 70. letech například dokumentovala vztah mezi sebou jako matkou a jejím malým synem. Každá ze šesti částí se zaměřuje na různé formální momenty mezi matkou a synem, které se následně promítají do uměleckých děl jako formální prostředky.
Detail od Dokument po porodu od Mary Kelly , 1974, Institute of Contemporary Arts, Londýn
Mary Kelly často kombinovala obvyklý materiál ze svého každodenního života se svým synem se slovy – jak to dělala v její části I Dokumentace po porodu . V této práci umělkyně použila synovy plenkové vložky jako jakési plátno a spojila je s psanými slovy. Skandálním detailem díla je, že byly použity plenkové vložky a diváci uměleckého díla byli nejen konfrontováni se skvrnami od zvratků, ale byli také informováni o kombinaci potravin, které ho vytvořily.
Ed Ruscha: Pokračující projekty konceptuálního umění
Všechny tyto různé příklady konceptuálního umění ukázaly: Jelikož se tato zvláštní forma umění soustředí na myšlenku, která za ní stojí, neexistují téměř žádné hranice realizace. Americký umělec Ed Ruscha dnes patří k těm nejvíce slavných umělců pop-artu ale je také velmi známý pro svou koncepční práci. Od 60. let pracoval Ed Ruscha v různých médiích, jako je malba, grafika, kresba, fotografie a film. Jedním z umělcových nejzajímavějších děl na poli konceptuálního umění je kniha Každá budova na Sunset Strip . Jak již název napovídá, jedná se o knihu, která ukazuje každý dům na slavném Sunset Strip v Los Angeles. Zajímavá je nejen podoba knihy – 7,6 metru dlouhá kniha ve skladu na harmoniku –, ale i tvorba fotografií v knize. Pro Každá budova na Sunset Strip, Ed Ruscha fotil v celé délce Sunset Boulevard v Los Angeles takzvanou motorizovanou kamerou. Pomocí speciální konstrukce fotoaparátu na stativu stojícím na ložném prostoru pick-upu zdokumentoval Ed Ruscha lidovou řeč Los Angeles jednou fotografií za sekundu na hlavních filmových rolích.
Každá budova na Sunset Strip od Eda Ruschy , 1966, Soukromá sbírka
Ed Ruscha začal s tímto projektem v 60. letech a dodnes pracuje na své dokumentaci Los Angeles. V posledních desetiletích prý umělec pořídil téměř milion fotografií. Skutečnost, že Ed Ruscha sám nikdy nevyvolal všechny fotografie a pouze malé procento z nich použil pro knihy jako Každá budova na Sunset Strip ukazuje, jak moc stojí koncepce této práce a samotná činnost dokumentace z hlediska důležitosti nad výstupem. Konceptuální umění, jak vidíme na všech příkladech uvedených v tomto článku, nezná ani prostorové, ani časové, ani často společensky platné morální hranice. Konceptuální umění může být ironické, vážné nebo dokonce šokující. Konceptuální umění může být nakonec cokoliv nebo nic. Myšlenka za tím je jediná, na čem záleží – je to stroj, který dělá umění, jak Sol Lewitt vysvětlil již v roce 1967.