Nejšokující a nejkontroverznější umění, jaké kdy bylo vyrobeno

Stuart Brisley, And For Today … Nothing, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londýn

V průběhu historie hledali umělci způsoby, jak otřást tradicí a zpochybňovat roli umění. Jejich odvaha se otevřela vzrušující nové cesty v umění a změnili naše způsoby vidění světa překvapivými a nečekanými způsoby. Ale riskování něco stojí a ne vždy se to vyplácí, alespoň ne během umělcova života. Někteří z nejrevolučnějších umělců všech dob byli veřejně zahanbeni, posláni do vězení nebo málem zemřeli ve jménu velkého umění. Podívejme se napříč historií umění na některá z nejvíce šokujících a nejkontroverznějších umění, která kdy byla vytvořena.

1. Michelangelo, Poslední soud, Sixtinská kaple, 1541

Michelangelo, Poslední soud (detail), 1541, přes NY Post

Od okamžiku svého odhalení v roce 1541 divoce chaotická změť nahých lidských těl v Michelangelova Poslední soud ohromily i vyděsily publikum stejnou měrou. Nahá těla se v umění objevovala již dříve Michelangelo, ale to, co návštěvníky nejvíce šokovalo, byla rozsáhlá ukázka nahoty napříč všemi, od obyčejných lidí po svaté a mučedníky. K tomu všemu dokonce zahrnul zcela odhalené, grafické genitálie, což přimělo kardinála Oliviera Carafu, aby ho obvinil z nemorální obscénnosti. Na odhalené části těla byly namalovány fíkové listy a bederní roušky, čímž se změnil charakter původního uměleckého díla. Zůstali na tomto kontroverzním uměleckém díle až do restaurování Sixtinská kaple o stovky let později, v 80. letech 20. století. Ale tou dobou již Michelangelova revoluční ukázka lidského těla hluboce ovlivnila dějiny umění, od manýrismu a Barokní dekadence k nefiltrované nahotě současné doby.

2. Edouard Manet, Olympia, 1863

Olympia od Edouarda Maneta, 1863, přes Musée d'Orsay

Francouzský realistický malíř Ikonický Edouard Manet Olympia , 1865 otřásl společností do morku kostí. Poprvé zobrazeno na Pařížský salon v roce 1865 Manetův obraz zobrazuje nahou modelku ležící přes pohovku, zatímco ji sluha obdarovává květinami. Manet záměrně napodobil složení u Tiziana slavný Urbinská Venuše, 1534, ale dal své verzi řadu kontroverzních aktualizací. Přímý, konfrontační pohled jeho modelu šokoval publikum, které bylo zvyklé vídat pasivní, ostýchavé ženy. To, že Manet použil skutečnou modelku, Victorine Meurentovou, spíše než mytologickou múzu, bylo také dost šokující, ale učinil řadu návrhů, že byla prostitutkou – jméno Olympia bylo běžně spojováno se sexuálními pracovnicemi v Paříži 60. let 19. století, zatímco její okolí odráželo styl pařížského budoáru. Oblouková černá kočka u dna Olympiiny postele byla také známým symbolem sexuální promiskuity. Pařížský salon se Edouardu Manetovi vyhýbal, ale jeho průlomy vedly k následování generaci impresionistů a modernistů.

3. Pablo Picasso, Dámy z Avignonu, 1907

Pablo Picasso, Mladé dámy z Avignonu, 1907, přes MoMA

Picasso zachováno Dámy z Avignonu , 1907, dlouho ukrytý ve svém ateliéru. Dokonce i jeho vlastní přátelé byli zděšeni, když to konečně viděli. Agresivní úlomky hranaté, umělé barvy a rozbité, zkreslené perspektivy byly dostatečně šokující, ale jakmile byl odhalen skutečný rozsah jeho námětu, veřejnost byla zděšena. Nahá skupina pěti žen je pózována jako klasické akty, ale nejde o žádné idealizované krásky. Místo toho je maluje přehnanými tvářemi inspirovanými africkými maskami, které viděl v Paříži. Etnografické muzeum. Zmenšení jejich těl na řadu ostrých, hrozivých forem jim propůjčuje hrozivou kvalitu, stejně jako jejich chladné, neochvějné pohledy. Avignon byla známá ulice v pařížské čtvrti červených luceren, takže nebylo pochyb o tom, že tyto ženy byly prostitutky. Střet dohromady hranatý kubistické formy a konfrontační téma, Picasso sám o sobě rozbil konvence a zahájil novou vlnu soudobé umění . Umělecký kritik Jonathan Jones píše: Les Demoiselles d’Avignon je trhlina, zlom, který rozděluje minulost a budoucnost.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

4. Marcel Duchamp, Kašna, 1917

Marcel Duchamp, Kašna, 1917 (replika 1964), přes Tate, Londýn

daný experimentátor Marcela Duchampa Kašna , Rok 1917 se zapsal do historie a stál v čele úsvitu konceptuálního umění. K vytvoření díla Duchamp jednoduše koupil pisoár z továrny, podepsal jej pseudonymem R. Mutt a předložil Společnosti nezávislých umělců. Společnost byla tímto dílem hluboce uražena, označila ho za neslušné a nemorální a prohlásila, že Fontána může být na svém místě velmi užitečným předmětem, ale její místo není na výstavě umění a rozhodně je to umělecké dílo. . Duchamp měl vzdor Kašna profesionálně fotografoval renomovaný fotograf Alfred Stieglitz v galerijním prostředí, zatímco anonymní úvodník pravděpodobně napsaný Duchampem vyšel v levicovém periodiku Slepý muž hádat se, zda pan Mutt... vytvořil fontánu, není důležité. ON si to Zvolil. Vzal obyčejný článek života… a… vytvořil pro tento předmět novou myšlenku. Tento argument, že jakýkoli předmět by se mohl stát uměleckým dílem, způsobil revoluci v uměleckých postupech a dodnes má odezvu.

5. Carolee Schneeman, Masová radost, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, dokumentace představení

Americký performer Carolee Schneemannové Masová radost , 1964, zpochybnil misogynní stereotypy plnou frontální nahotou a svíjejícími se ukázkami erotického těla. Spojením toho, co nazvala nákupním seznamem ingrediencí, včetně syrových ryb, kuřete a klobás, spolu s barvou, lesklým plastem a provazem, dala dohromady skupinu nahých žen, které se v těchto látkách válely, jako by se ztratily v orgastické extázi. Reakce byly extrémní; jeden člen publika byl tak rozzuřený, že se dokonce pokusil uškrtit Schneemanna, zatímco jiný prohlásil, nevím, co to je, ale není to umění. Ale Schneemannovo sexuálně osvobozené umění odhalilo publiku nový druh neomezeného ženství, které vedlo cestu vlně feministických umělkyň v sedmdesátých letech.

6. Stuart Brisley, A pro dnešek… Nic, 1972

Stuart Brisley, A pro dnešek… nic, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londýn

Britský performer Stuarta Brisleyho A pro dnešek… nic , 1972, byl inscenován v hlubinách zchátralé, ošuntělé budovy v Londýně. Špinavá vana byla až po okraj naplněná černou vodou a hnijícím masem, kde hnisaly mouchy a červi. Brisley ležel nahý v tomto špinavém nepořádku každý den po dobu dvou týdnů, s hlavou umístěnou dostatečně vysoko nad vodou, aby mohl stále dýchat. Malé skupiny návštěvníků pak byly vyzvány, aby vstoupily do budovy a pozorovaly ho v tomto zranitelném, polomrtvém stavu. Stuart Brisely vystavil své tělo téměř nesnesitelné situaci a upozornil diváky na křehkou hranici mezi životem a smrtí, postoj, který by měl hluboký dopad na soudobé umění to následovalo. Toto představení bylo součástí skupinové výstavy v Gallery House, Goethe Institution, Londýn, ale vůně studené vody naplněné rozkládajícími se droby se stala tak nechutnou, že ho všichni ostatní umělci přinutili odejít.

7. Judy Chicago, Večeře, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79, Brooklyn Museum, Dar Elizabeth A. Sackler Foundation. Foto: Donald Woodman

Monumentální instalace Judy Chicago Dinner Party , 1974-9, je ikonickým symbolem feminismu 70. let. Obrovský, trojúhelníkový banket je připraven s 39 prostíráním, každé na poctu vlivným ženám z celé historie. Představený jako ženská alternativa k poslední večeři, je dlouhý 48 stop na každé straně a jeho dokončení trvalo více než pět let. Zdaleka nejvíce šokujícím aspektem práce bylo zjevné znázornění ženských genitálií; každý talíř je zdoben nebo tvarován do variace vulvární formy. Dílo bylo odhaleno v Muzeum moderního umění v San Franciscu a kreslil v obrovském množství, ale reakce byly jedovaté a označily dílo za pornografické a urážlivé. Ostatní muzea, která byla určena pro turné po Spojených státech, byla rychle zrušena. Uměleckému světu trvalo desítky let, než se na toto dílo zahřál a rozpoznal jeho radikalitu, ale dnes má trvalý domov Sacklerovo centrum v Brooklynském muzeu .

8. Marc Quinn, Já, 1991

Marc Quinn, Self, 1991, obrázek přes Marc Quinn

Britský umělec Marca Quinna Já , 1991 je celá replika jeho hlavy v životní velikosti v jeho vlastní zmrzlé krvi. K dokončení sochy, která může existovat pouze v trvale zmrazeném stavu, bylo potřeba deset půllitrů jeho krve. Quinn vytvořil svou první verzi tohoto díla v době osobního boje, kdy trpěl alkoholismem; Když přirovnal jeho závislost na alkoholu k potřebě hlavy zmrazit, stala se socha mocným odrazem lidské závislosti. Pokračoval ve výrobě více v seriálu a odrážel svou měnící se tvář, jak proces stárnutí posunul jak jeho vnější vzhled, tak vnitřní orgány. Vznášející se v bezduchém, pozastaveném stavu, ztuhlá krev se shromažďuje na povrchu této hlavy bez těla, což vede k ponurému pohledu. Kritici ho obviňovali jen z upírské senzacechtivosti, zatímco jiní viděli jeho místo v dlouhé tradici autoportrétu, od Rembrandt k Cindy Shermanové. Ať tak či onak, zkoumání tak nepříjemně intimního materiálu otevřelo v současném umění spoustu nových možností.

9. Pussy Riot, Punková modlitba: Matko Boží, vyžeň Putina pryč, 2012

Pussy Riot, Punk Prayer: Mother of God, Drive Putin Away, 2012

Ruská punková protestní skupina Pussy Riot's Punková modlitba: Matko Boží, vyžeň Putina pryč , 2012 bylo partyzánské vystoupení v moskevské katedrále Krista Spasitele. Vtrhli na kazatelnu v jasných šatech a kuklách, skákali, tančili, klečeli a křižovali se, dokud je ochranka nezabavila a neodvedla z budovy. Později téhož dne byl k těmto záběrům přidán spalující soundtrack s texty útočícími na Putinův utlačovatelský režim a jeho spojení s ruskou pravoslavnou církví, než volali po Marii, matce Boží, aby Putina odehnala! Video zveřejněné na sociálních sítích se šířilo jako požár a během několika dní dosáhlo mezinárodního publika. Ruští představitelé byli tak rozzuřeni, že odsoudili dvě prominentní členky skupiny Naděždu Tolokonnikovovou a Marii Aljochinovou ke dvěma letům vězení a obvinili je z chuligánství motivovaného náboženskou nenávistí. Po celém světě se vedly hádky o tvrdém trestu Pussy Riot, zatímco slavné hlasy neúspěšně volaly po jejich propuštění. Navzdory strašlivému zacházení ve vězení tato zkušenost proměnila dvojici v celosvětové celebrity, které dnes pokračují v úspěšném umění.

10. Maurizio Cattelan, Komik, 2019

Maurizio Cattelan, Komik, 2019, Banán přilepený na zeď , prodáno za 120 000 $. Foto: RHONA WISE, EPA-EFE

Označen jako zlý chlapec italského umění, Maurizio Cattelan s Komik , 2019 si dělal legraci z předsudků obklopujících dnešní umělecký svět a nyní je uznáván jako ikonické umělecké dílo roku. Na Art Basel Miami Beach, Cattelan gaffer přilepil na zeď banán, jehož cena byla ohromujících 120 000 dolarů. Poté, co se prodal, umělec David Datuna sloupnul šedou pásku, vyndal banán a snědl ho, čímž zničil originál. Snadno předělané dílo bylo později odstraněno z galerie, aby se zabránilo dalším žertům. Ale jeden umělec viděl další příležitost, graffiti na prázdné místo, kde byla slova Epstein se nezabil. Cattelan by byl první, kdo tvrdil, že každý nový zvrat v jeho příběhu přidává hodnotu jeho konceptu a dokazuje, že v dnešní době může být téměř cokoli uměleckým dílem.