Fotorealismus: Pochopení mistrovství všednosti

Autobus s odrazem Flatiron Building od Richarda Estese , 1966-67, prostřednictvím Smithsonian Magazine a Marlborough Gallery, New York

Fotorealismus je radikální umělecké hnutí ze Severní Ameriky 60. let, které vidělo malíře kopírující fotografie do nejmenších detailů na obrovská, rozlehlá plátna. V celém fotorealistickém hnutí umělci prokázali mistrovskou technickou virtuozitu v malbě, která nebyla jako nic před tím, a novým způsobem spojovali dvě protikladná média malby a fotografie.

Různí umělci jako Malcolm Morley, Chuck Close a Audrey Flack si osvojili fotorealistický styl, aby mohli pozorovat zářivě novou tvář poválečné městské kultury a proměňovat skromná nebo banální témata, jako jsou staré pohlednice, špinavé stolní desky nebo výkladní skříně, na fascinující umělecká díla. . Ale především fotorealistické umělecké hnutí signalizovalo významné období v dějinách umění, protože od té doby hraje fotografický materiál zásadní roli ve vývoji současné malby.

Fotoaparát: Malířský nástroj pro fotorealismus

RZ Amsterdam před Rotterdamem od Malcolma Morleyho , 1966, prostřednictvím Christie’s

Od svého vynálezu v 19čt- fotografie století měla nevyhnutelně dopad na povahu a roli malby. Úlohou malby již nebylo zachytit přesnost života, takže malba mohla být něčím úplně jiným: mnozí tvrdili, že tento posun vedl 19čta 20čt-umění století dále do sfér abstrakce , kde se barva mohla chovat, jak chtěla. Ale na počátku 60. let už mnoho umělců unavovalo házet barvy kolem sebe a místo toho hledali něco svěžího a nového. Vstupují umělci Malcolm Morley a Richard Estes. Britský malíř Morley je často uváděn jako první umělec, který prozkoumal fotorealismus a vytvořil do detailu detailní kopie pohlednic s idylickými zaoceánskými parníky křižujícími oslnivě modrou vodou ve stylu, který nazýval superrealistický.

Večeře od Richarda Estese , 1971, prostřednictvím Smithsonian Magazine a Marlborough Gallery, New York

Morleymu v patách byl americký malíř Richard Estes, který tento trend následoval pečlivými vyobrazeními lesklé fasády New Yorku, od naleštěných oken restaurací z 50. let až po kovový lesk zbrusu nových automobilů. Reflexní povrchy, které používal, byly záměrnou ukázkou jeho mistrovského umění v malbě a měly obrovský vliv na fotorealismus. Tento nový styl malby zpočátku vypadal jako návrat k tradicím realismu, ale ve skutečnosti to byla zcela nová říše neprobádaného území. To, co odlišovalo práci Fotorealismu od vysoce realistických malířů minulosti, byl záměrný pokus replikovat vlastnosti jedinečné pro fotografický obraz, jak je uvedeno v publikaci. Umění v čase : Fotorealističtí umělci 60. a 70. let 20. století zkoumali druh vidění, který byl pro fotoaparát jedinečný… zaměření, hloubka ostrosti, naturalistické detaily a jednotná pozornost k povrchu obrazu.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

Fotorealismus, Pop Art a Minimalismus

Prodejci železa od Johna Salta , 1981 , přes National Galleries of Scotland, Edinburgh

Jako Populární umění a Minimalismus, Fotorealismus se objevil v Evropě a ve Spojených státech 50. let jako reakce proti divoce emotivním jazykům Abstraktní expresionismus. Pop Art byl na prvním místě a dláždil cestu drzým zaměřením na nezvyklé kouzlo reklamy a kultury celebrit vstříknuté kyselými jasnými barvami a zjednodušeným designem. Minimalismus byl ve srovnání s ním chladný a úhledný, umírněný, rafinovaný pohled na abstrakci s opakujícími se mřížkami, geometrií a omezenými barvami. Fotorealistické hnutí se objevilo uprostřed mezi těmito dvěma proudy a sdílelo jejich přivlastňování populární kultura s pop artem a čistá, metodická racionalita minimalismu. V kontrastu s drzou zábavou pop-artu sledovali fotorealističtí umělci banální témata s ironickou, mrtvolnou ironií, která postrádala lidské emoce: mezi nimi je vidět hlavní kontrast. Andyho Warhola ikonický popový motiv Campbellovy polévkové plechovky, 1962 a fotorealistická pozorování výlohy železářství od Johna Salta Prodejci železa , 1981. Fotorealismus se také střetl s minimalismem tím, že vykresloval prvky narativního nebo realistického obsahu na rozdíl od jejich čistého, čistého jazyka reduktivní jednoduchosti.

Přední umělci

'64 Chrysler od Roberta Bechtle , 1971, prostřednictvím Christie’s

Na počátku 70. let fotorealismus nabral tempo a stal se obrovským fenoménem v celé Severní Americe. K vůdcům nového stylu patřili kalifornští umělci Robert Bechtle, Ralph Goings a Richard Mclean a v New Yorku malíři Chuck Close, Audrey Flack a Tom Blackwell. Spíše než sjednocená skupina, každý umělec pracoval samostatně a přistupoval k fotoreálnému stylu ve svém vlastním koncepčním rámci. Robert Bechtle maloval scény, které nazval esencí americké zkušenosti, zrcadlící vizuální ikonografii reklamy s obyčejnými předměstskými scénami rodin a jejich spolehlivých automobilů jako nejvyššího symbolu kapitalistického luxusu. Jeho zaměření na plochou, lesklou dýhu je však trochu příliš dokonalé, což naznačuje, že se za touto povrchní fasádou skrývá temnota. Richard Mclean také vytvořil idealizovanou vizi amerického života, ale místo předměstského rozrůstání představoval jezdecké nebo hovězí subjekty, dokumentující chytré jezdce, chovatele zvířat a lesklé koně v žhnoucím slunci jako skutečný znak amerického snu.

Medailon od Richarda Mcleana , 1974, přes Guggenheimovo muzeum, New York

Zrodil se pohyb

Na tuto pestrou partu mladých umělců se zpočátku vrhala různá jména, včetně nového realismu, superrealismu a hyperrealismu, ale byl to newyorský galerista Louis K Meisel který jako první vytvořil v katalogu termín „fotorealismus“. Muzeum Whitney výstava Dvacet dva realistů, 1970. Po úspěchu této show se Meisel následně v 70. letech znovu objevil jako jednočlenný roztleskávač pro fotorealismus, zasvětil svou vlastní galerii SoHo propagaci fotorealistických uměleckých děl a také vydal přísného pětibodového průvodce popisujícího v přesné detaily, jak by fotorealistické umělecké dílo mělo vypadat. Dalším mezníkem pro fotorealistické hnutí přišel v roce 1972 švýcarský kurátor Harald Szeemann režíroval celek dokumenty 5 v Německu jako výkladní skříň fotorealistického stylu s názvem Zpochybňování reality – obrazové světy dnes, představující dílo neuvěřitelných 220 umělců pracujících s fotografickými styly malby.

Jak to udělali?

Velký autoportrét od Chucka Closea, 1967-68, přes Walker Art Centre, Minneapolis

Fotorealističtí umělci prozkoumali řadu vynalézavých a někdy i důmyslných triků, jak dosáhnout tak působivě přesných výsledků. Newyorský malíř Chuck Close vytvořil obrovské, detailně detailní portréty sebe a svých přátel kombinací několika revolučních technik. Prvním bylo použít mřížku na polaroidový obrázek, aby se rozložil na řadu malých součástí, a pak malovat každou malou část najednou, aby se zabránilo tomu, aby byl přemožen ohromným úkolem, který je na dosah ruky. Tento metodický přístup srovnal s ‚pletením‘, protože obraz je stavěn metodicky řádek po řádku. Uzavřete také nanesené prvky barvy pomocí airbrush a seškrábněte do ní žiletkami, abyste dosáhli jemnějších oblastí definice, a dokonce připevněte gumu k elektrické vrtačce, aby skutečně fungovala v těchto měkčích oblastech tónu. Překvapivě tvrdí, že má své ikonické rozměry 7 x 9 stop Velký autoportrét, 1967-68 byl vyroben pouze s lžičkou černé akrylové barvy.

Druhá světová válka (Marnost) od Audrey Flack , 1977, prostřednictvím Christie’s

Naproti tomu kolegyně z New Yorku Audrey Flack promítala své vlastní fotografické obrazy na plátno jako vodítko pro malbu; první z jejích děl, která byla takto vytvořena, byla Barevný rodinný portrét, 1970. Práce s projekcí jí umožnila dosáhnout oslnivé úrovně přesnosti, která by sama o sobě nebyla možná. Flack poté nanesla tenké vrstvy barvy na svá plátna pomocí airbrush, čímž v konečném výsledku odstranila všechny stopy její ruky. Na rozdíl od odtažitých stylů jejích současníků byly Flackovy obrazy často plné hlubšího emocionálního obsahu, zejména její studie zátiší, které odrážely tradici memento mori s pečlivě umístěnými předměty symbolizujícími krátkost života, jako jsou lebky a hořící svíčky, jak je vidět na díla jako např Druhá světová válka (Marnost), 1977.

Hyperrealismus

Muž na lavičce od Duane Hansona , 1977, prostřednictvím Christie’s

V návaznosti na hnutí fotorealistů se během pozdějších sedmdesátých let objevila nová, nafouknutá verze stylu, která se stala známou jako hyperrealismus. Na rozdíl od obecně mechanického, odtažitého oka fotorealistických subjektů se hyperrealismus soustředil na záměrně emotivní subjekty, přičemž zvyšoval pocit úžasu a velikosti jejich subjektů pomocí obrovských měřítek, extrémního osvětlení nebo narážek na obsah vyprávění. Nezávislý kurátor, spisovatel a řečník Barbara Maria Staffordová popsal styl pro časopis Tate Gallery Tate Papers jako něco, co je uměle zesíleno a nuceno stát se reálnějším, než tomu bylo, když to existovalo v reálném světě.

Sochařství bylo obzvláště důležitým prvkem hyperrealistického umění, zejména odlitky ze skelných vláken amerických sochařů Duane Hansona a Johna de Andrea, které umisťují neuvěřitelně živé postavy do pozic nebo scénářů, které naznačují nevyřčené příběhy pod povrchem. Současný australský sochař Ron Mueck dovedl v posledních letech tyto myšlenky do extrému a vytvořil surrealistické figurální emblémy, které vypovídají o složitosti lidského stavu s posunutými měřítky, jejichž cílem je umocnit jejich emocionální dopad. Jeho obrovské novorozené dítě v Holka, 2006, je přes 5 metrů dlouhý a zachycuje pomocí divadelního dramatu zázračný zázrak přivedení dítěte na svět.

Holka od Rona Muecka , 2006, prostřednictvím Národní galerie Melbourne, Austrálie a Atlantik

Nejnovější nápady ve fotorealismu

Kličkující od Jeffa Koonse , 1999, přes Guggenheimovo muzeum, Bilbao

Fotorealismus dosáhl svého zenitu v 70. letech 20. století, ale od té doby variace tohoto stylu přetrvávaly i v následujících desetiletích. Po explozi informačních technologií v 90. letech 20. století přijala nová vlna umělců fotoreálné způsoby práce, ale mnozí se posunuli za doslovnost fotorealistického uměleckého hnutí zavedením prvků kreativní digitální úpravy v počítačových programech.

Bez názvu (Ocean) od Vija Celmins , 1977, přes San Francisco Museum of Modern Art

In Americký umělec Jeffa Koonse kýč, Easyfun-Ethereal série včetně díla Kličkující, V roce 1999 vytváří digitální koláže se svůdnými vystřiženými úryvky z časopisů a billboardových reklam, které pak jeho tým asistentů v barvách zvětší na obrovská plátna o velikosti stěny. Na druhém konci spektra americká umělkyně Vija Celmins vytváří drobné, nádherně pozorované kresby a tisky na papír v černobílém provedení, zprostředkovávající obrovské rozlohy oceánu nebo hvězdami plné noční oblohy drobnými, opakujícími se značkami a šmouhami. odhalit stopy jejich vzniku.

Mělké smrti podle Glenn Brown , 2000, přes The Gagosian Gallery, Londýn

Britský malíř Glenn Brown zvolil úplně jiný přístup; staví na surrealistickém jazyce hyperrealismu a vytváří fotoreálné kopie slavných expresionistických uměleckých děl, která září aurou nepřirozeného světla, jako by byla prohlížena na obrazovce počítače. Brownův složitý proces kopírování fotografie uměleckého díla jiného umělce do barvy odhaluje, jak úzce jsou naše zkušenosti s viděním a vytvářením obrazů propojeny s dnešní digitální zkušeností.