4 ikonické umělecké a módní spolupráce, které utvářely 20. století

Tři koktejlové šaty, pocta Pietu Mondrianovi od Erica Kocha , 1965, prostřednictvím Vogue France

Spojení mezi uměním a módou definují konkrétní okamžiky v historii. Obě tato média odrážejí společenské, ekonomické a politické změny od bouřlivých dvacátých let až po okázalost let osmdesátých. Zde jsou čtyři příklady umělců a módních návrhářů, kteří svou prací pomohli utvářet společnost.

1. Halston a Warhol: Módní společenství

Čtyři portréty Halstona , Andy Warhol, 1975, Soukromá sbírka

Přátelství mezi Royem Halstonem a Andy Warhol je ten, který definoval umělecký svět. Halston i Warhol byli vůdci, kteří vydláždili cestu k tomu, aby se z umělce/designéra stala celebrita. Zbavili se domýšlivého stigmatu uměleckého světa a přinesli módu a styl masám. Warhol použil sítotisk k vytvoření obrázků několikrát. I když tento proces rozhodně nevynalezl, způsobil revoluci v myšlence hromadné výroby. Halston používal látky a vzory, které byly jednoduché a elegantní, ale okouzlující použitím flitrů, ultrasuede a hedvábí. Byl jedním z prvních, kdo učinil americkou módu dostupnou a žádoucí. Obě daly definitivní punc umění a stylu v průběhu 60., 70. a 80. let, který trvá dodnes.

Spolupráce a obchodní úspěch

Květiny od Andyho Warhola , 1970, přes Princeton University Art Museum (vlevo); s Liza od Andyho Warhola , 1978, přes Christie’s (uprostřed); a Květiny od Andyho Warhola , 1970, přes Tacoma Art Museum (vpravo)

Halston i Warhol spolu spolupracovali na mnoha různých projektech. Warhol vytvořil reklamní kampaně, které obsahovaly Halstonovo oblečení a dokonce i Halstona samotného. V přímější spolupráci Halston použil Warholův květinový potisk na některé z jeho oděvů od večerních šatů až po soupravu společenského oblečení.

Halston používal ve svých oděvech jednoduché vzory, díky čemuž byly velmi úspěšné. Byly jednoduché a snadno se nosily, přesto mu připadaly luxusní díky použití látek, barev nebo potisků. Warhol by také zjednodušil své materiály a proces, což usnadnilo reprodukování jeho děl a učinilo je lépe prodejnými.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

Večerní róba od Halstona , 1972, přes Indianapolis Museum of Art (vlevo); s Šaty a odpovídající pláštěnka od Halstona , 1966, přes FIT Museum, New York City (uprostřed); a Lounge Ensemble od Halstona , 1974, přes University of North Texas, Denton (vpravo)

Komerční úspěch měl pro oba designéry své výzvy. Halston by byl první, kdo v roce 1982 spolupracoval s maloobchodním řetězcem JCPenney, což mělo zákazníkům poskytnout levnější variantu jeho návrhů. To nebylo pro jeho značku úspěšné, protože se zdálo, že ji zlevňuje, ale připravilo to cestu budoucím návrhářům, aby udělali totéž. Warhol se setkal s kritikou a jeho produkce byla považována za povrchní a povrchní. Oba však modernizovali využití maloobchodu a marketingu ve svých příslušných prostorách, aby vytvořili značky pro prodej na masovém trhu.

Glitz A Glamour

Boty Diamond Dust od Andyho Warhola , 1980, přes Monsoon Art Collection, Londýn (vlevo); s Dámské šaty, flitr od Halstona , 1972, přes LACMA (vpravo)

Warhol i Halston byli častými návštěvníky Studia 54. Bavili se, navrhovali a produkovali díla pro celebrity jako Liza Minnelli, Bianca Jagger a Elizabeth Taylor. Tyto výlety se odrážejí v jejich dílech, protože inspirovaly a definovaly éru diskoték 70.

Halston je známý tím, že vytváří večerní oblečení s celými flitry. Položil flitry na látku vodorovně. To vytváří třpytivý efekt materiálu, který by použil k vytvoření ombré nebo patchworkových vzorů. Jeho návrhy byly jednoduché siluety, které vytvářely lehkost a pohyb pro tanec. Jeho používání flitrů bylo velmi oblíbené mezi hvězdami, včetně Lizy Minnelli, která nosila jeho návrhy na vystoupení a výlety Studio 54 .

Warholova série Diamond Dust Shoes je také příkladem nočního života Studia 54 a vlivu celebrit. Diamantový prach je to, co použil na sítotisky nebo malby, čímž vytvořil další prvek hloubky. Warholovy otisky bot byly původně nápadem pro reklamní kampaň pro Halstona. Jako inspiraci dokonce použil některé z Halstonových vlastních návrhů bot.

Z návrháře, který se stal celebritou, začali Warhol a Halston. Nešlo jen o to, jaké druhy umění a oděvů vytvořili, ale také o jejich společenský život. V dnešní době existují módní návrháři a umělci, kteří jsou celebritami a přispívá to k úspěchu jejich značek.

2. Sonia Delaunay: Kde se umění stává módou

Sonia Delaunay se dvěma přáteli ve studiu Roberta Delaunaye, 1924, přes Bibliothèque Nationale de France, Paříž

Sonia Delaunayová nejen revolucionizovala novou formu Kubismus ale také si představoval spojení mezi uměním a módou. Delaunay i její manžel byli průkopníky Orfismus a experimentoval s různými formami abstrakce v umění. Byla první svého druhu, která použila svůj vlastní umělecký styl a přešla do světa módy pomocí svých originálních textilních návrhů, potisků nebo vzorů. Ona je více tak připomínána pro její umění a spojení se svým manželem spíše než pro svou módu. Její oděvy byly ve 20. letech 20. století v popředí změn v ženském oblečení. Její katalog oděvů si pamatují spíše fotografie a odkazy na její umění než samotné fyzické oděvy. Pro Delaunaye neexistuje žádná hranice mezi uměním a módou. Pro ni jsou jedno a totéž.

Simultánní A Rebelská Móda

Simultánní šaty (tři ženy, tvary, barvy) od Sonia Delaunay , 1925, přes Národní muzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid (vlevo); s Simultánní šaty od Sonia Delaunay , 1913, přes Národní muzeum Thyssen-Bornemisza, Madrid (vpravo)

Delaunay zahájila svůj módní byznys ve dvacátých letech 20. století tím, že vytvářela oblečení pro klienty a navrhovala látky pro výrobce. Nazvala svůj label Zároveň a dále pokročila v používání barev a vzorů na různých médiích. Simultanismus hrál důležitou roli v jejím procesu navrhování. Její použití je velmi podobné patchworkové přikrývce nebo textilu z východní Evropy. Barvy se překrývají a vzory se používají k vytvoření harmonie a rytmu. Mezi její běžná témata patří čtverce/obdélníky, trojúhelníky a diagonální čáry nebo koule – všechny se v jejích různých návrzích překrývají.

Talíř 14 od Sonia Delaunay: Její obrazy, její objekty, její simultánní látka, její móda od Sonia Delaunay , 1925, přes National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay byla mladá žena během Edwardian Era kde byly korzety a konformita normou. To se změnilo ve 20. letech 20. století, kdy ženy nosily sukně nad kolena a volné, krabicovité oděvy. Tento aspekt je něco, co lze vidět v návrzích Delaunay a ona byla nadšená vytvářením oděvů, které vyhovují potřebám žen. Navrhla plavky, které ženám umožnily lépe se účastnit sportů, které dříve bránily jejich hraní. Své textilie umístila na kabáty, boty, klobouky a dokonce i na auta, čímž se každý povrch stal jejím plátnem. Její návrhy vytvořily svobodu pohybu a výraz prostřednictvím barvy a formy.

Delaunayův přechod k filmu a divadlu

Le P'tit Parigot od René Le Somptiera , 1926, přes IMDB (vlevo); s Kostým pro 'Cleopatra' v inscenaci Ballets Russes 'Cleopatra' od Sonia Delaunay, 1918, přes LACMA (vpravo)

Delaunay během své kariéry přešla k filmu a divadlu. Navrhla kostýmy pro film z roku 1926 Le P'tit Parigot („The Small Parisian One) od Rene Le Somptiera. Jak Delaunay, tak její manžel přispěli do filmu a její manžel přispěl ke scénografii použité ve filmech. Vlevo je rumunská tanečnice Lizicai Codreanu zobrazena v jednom z kostýmů navržených Delaunayem. Její použití koulí, cikcaků a čtverců je dalším příkladem simultanismu. Kliky pozadí se prolínají s legínami kostýmů. Disk obklopující tanečníkovu tvář byl v Delaunayových způsobech opakujícím se tématem.

Vytvořila také návrhy pro 'Cleopatra' , od Ballets Russes. Podobně jako při spolupráci ve filmu vytvořila kostýmy a její manžel pracoval na výpravě. Oba vzájemně spolupracovali, aby vytvořili pro diváka harmonický zážitek. Kostým Kleopatry má vícebarevné pruhy a půlkruhy, které mísí její abstraktní styl 20. let 20. století s tradičním baletem.

3. Spolupráce Elsy Schiaparelli a Salvadora Dalího

Bota ve tvaru klobouku Schiaparelli od Elsy Schiaparelli a Salvadora Dalího , 1937-38, přes Vogue Australia

V popředí surrealistické umění se shoduje s lídrem v surrealistické módě. Salvador dali a módní návrhář Elsa Schiaparelliová vzájemně spolupracovali a inspirovali se během své kariéry. Vytvořili ikonické obrazy, jako je např Humří šaty , Klobouk na boty (Dalího manželka, Gala viz výše) a Slzavý šaty , která šokovala a inspirovala publikum jak v umění, tak v módě. Dalí a Schiaparelli vydláždili cestu pro budoucí spolupráci mezi módními návrháři a umělci, když překlenuli propast mezi tím, co je považováno za nositelné umění a módou.

Humr a Dalí

Dámské večerní šaty od Elsy Schiaparelli a Salvadora Dalího , 1937, přes Philadelphia Museum of Art (vlevo); Salvador dali od George Platta Lynese , 1939, přes The Metropolitan Museum of Art, New York City (vpravo)

Zatímco humr je zdánlivě neškodný, ve skutečnosti je ponořen do kontroverze. Dalí použil humři jako opakující se téma v jeho díle a zajímal se o anatomii humra. Jeho skořápka funguje navenek jako kostra a uvnitř má měkký vnitřek, opak lidí. Humr v Dalího díle má také sexuální tóny, vycházející z žensko-mužské dynamiky.

Šaty Lobster vznikly ve spolupráci obou umělců s Dalím, který načrtl humra, který má být použit na šatech. Když poprvé debutoval, vyvolalo mnoho kontroverzí Móda . Za prvé má průsvitný živůtek a sukni z bílé organzy. Tato čistota, ukazující sotva viditelný obraz těla modelky, byla něčím zcela novým v módě viděné v masovém měřítku. Použití bílé látky také kontrastuje s červenou barvou humra. Bílá může být považována za panenskou nebo značící čistotu ve srovnání s červenou, která může znamenat sexualitu, sílu nebo nebezpečí. Humr je vhodně umístěn na sukni, aby pokryl ženskou pánevní oblast. Toto umístění je podobné fotografii Dalího výše, což dále znamená ženskou sexualitu oproti reakci mužů na ni.

Modelka, ve které byl oděv nošen Móda byla Wallis Simpsonová, manželka Edwarda VIII., který se vzdal anglického trůnu, aby se s ní oženil. Toto je další příklad, jak vzít kontroverzní postavu nebo obraz v kultuře a proměnit je v něco, co je třeba uctívat.

Kostěný styl

Žena s hlavou růží od Salvadora Dalího , 1935, via Kunsthaus Zurich (vlevo); s Kostry šaty od Elsy Schiaparelli , 1938, přes Victoria and Albert Museum, Londýn (vpravo)

Kostry jsou dalším tématem surrealistického umění a byly použity ve více spolupracích mezi Dalím a Schiaparellim. Kostry šaty byl první svého druhu svým tématem, ale také svou technikou. Schiaparelli použil techniku ​​tzv prošívaný kde jsou dvě vrstvy látky sešity a vytvářejí obrys. Vata je vložena do obrysu a vytváří zvýšený efekt. Tato technika vytváří na ploché látce texturovaný povrch, který vytváří iluzi, že skrz šaty vyčnívají lidské kosti. Vyvolalo to skandál, protože šaty byly vyrobeny z přilnavého materiálu, který se lepil na kůži. Představy Dalího maleb a kreseb byly realizovány ve fyzickém trojrozměrném světě Schiaparelliho oděvy. Dali, jak již bylo zmíněno dříve, se zajímal o anatomii a to se promítá i do jeho práce.

4. Yves Saint Laurent: Kde se střetává umění a inspirace

Šaty inspirované Picasso od Yves Saint Laurent od Pierra Guillauda , 1988, prostřednictvím Times LIVE (vlevo); s Ptáci Georges Braque, 1953, v muzeu Louvre, Paříž (vpravo)

Kde je hranice mezi napodobováním a oceněním? Kritici, diváci, umělci i designéři se snažili určit, kde je tato čára nakreslena. Nicméně při diskuzi Yves Saint Laurent Jeho záměry nebyly nic jiného než lichotky a obdiv umělců a obrazů, které používal jako inspiraci. Při pohledu na své rozsáhlé portfolio se Saint Laurent inspiroval kulturami a uměním z celého světa a začlenil to do svých oděvů.

Přestože se Yves Saint Laurent nikdy nesetkal s umělci, kteří ho inspirovali, nezabránilo mu to vytvářet díla jako poctu jim. Laurent sbíral inspiraci od umělců jako např Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,a Picasso . Byl sběratelem umění a ve svém vlastním domě měl obrazy Picassa a Matisse. Brát obrazy jiného umělce jako inspiraci může být někdy vnímáno jako kontroverzní. Saint Laurent by však použil podobná témata jako tito umělci a začlenil je do nositelných oděvů. Vzal dvourozměrný motiv a přeměnil ho na trojrozměrný oděv, který vzdává hold některým z jeho oblíbených umělců.

Pop-art a revoluce 60. let

Koktejlové šaty, které nosí Muriel, pocta Pietu Mondrianovi, kolekce haute couture podzim-zima 1965 od Yves Saint Laurent, fotografoval Louis Dalmas , 1965, přes Musée Yves Saint Laurent, Paříž (vlevo); s Večerní róba, kterou nosí Elsa, Pocta Tomu Wesselmannovi, kolekce haute couture podzim-zima 1966 od Yves Saint Laurent, fotografoval Gerard Pataa, 1966 , přes Yves Saint Laurent Museum, Paříž (vpravo)

Šedesátá léta byla dobou revoluce a komerce a byla novou érou pro módu a umění. Saint Laurentovy návrhy získaly komerční úspěch, když se začal inspirovat Populární umění a abstrakce. V roce 1965 vytvořil 26 šatů inspirovaných abstraktními obrazy Pieta Mondriana. Šaty ztělesňovaly Mondrianovo použití zjednodušujících forem a výrazné základní barvy. Saint Laurent použil techniku, kdy mezi vrstvami látky nejsou vidět žádné švy, takže to vypadalo, jako by byl oděv z jednoho celku. Saint Laurent převzal Mondrianovo umění z 20. let 20. století a učinil jej nositelným a příbuzným s léty 60.

Šaty ve stylu mod jsou klasickými příklady stylu 60. let, kdy se praktičnost stávala pro ženy větším problémem. Byly podobné oděvům z 20. let 20. století, které byly méně omezené a na rukávech a spodním lemu bylo vidět více kůže. Hranaté siluety Saint Laurenta umožňovaly ženám lehkost a pohyb. To také vedlo k jeho inspiraci pop artovými umělci jako např Tom Wesselmann a Andy Warhol. Vytvořil řadu návrhů inspirovaných pop artem, které obsahovaly siluety a výřezy na jeho oděvech. Šlo o prolomení omezení, co je abstrakce v umění a komercializaci designu. Laurent spojil tyto dvě myšlenky dohromady a vytvořil oděvy pro ženy, které byly osvobozující a přitažlivé pro moderní ženu.

Umění V Módě Haute Couture

Večerní soubory, pocta Vincentu van Goghovi, nosí Naomi Campbell a Bess Stonehouse, kolekce haute couture jaro-léto 1988 od Yves Saint Laurent, fotografoval Guy Marineau , 1988, přes Yves Saint Laurent Museum, Taken

The Vincent van Gogh Bundy Saint Laurent jsou příkladem toho, jak Saint Laurent spojil inspiraci od jiných umělců a své vlastní designérské talenty. Stejně jako jeho ostatní oděvy nebyly motivy související s umělci zkopírovány a vloženy na oděvy Saint Laurenta. Místo toho se rozhodl vzít je jako inspiraci a vytvořit kousky, které odrážejí jeho vlastní styl. Bunda je představitelem stylu 80. let se silnými rameny a velmi strukturovaným hranatým vzhledem. Jde o koláž ze slunečnic vyšívaných malířským stylem Van Gogha.

Slunečnicová bunda-detail od Yves Saint Laurent , 1988, přes Christie’s (vlevo); s Slunečnice-detail od Vincenta Van Gogha , 1889, přes Van Gogh Museum, Amsterdam

Yves Saint Laurent spolupracoval s domem o Lesage House , lídr v oblasti vyšívání haute couture. Slunečnicový kabátek je vyšívaný trubkovými korálky lemujícími okraje kabátku a okvětními lístky a stonky slunečnice. Květiny jsou vyplněny různými odstíny oranžových a žlutých flitrů. To vytváří multidimenzionální texturu podobnou Van Goghově technice vrstvení silné barvy na plátno. Odhaduje se, že jde o jeden z nejdražších kusů haute couture, který byl vyroben, v Christie’s se prodává za 382 000 eur. Saint Laurent překlenul cestu, jak lze nosit módu jako umělecké dílo samo o sobě.