4 umělci z viktoriánské éry, kteří dělali umění pro umění

Podrobnosti od Hořící červen Sir Frederic Leighton, 1895; a Denní sen Dante Gabriel Rossetti, 1880

Fráze umění pro umění může znít jednoduše – ale tato čtyři slova zahájila zcela nové umělecké hnutí ve viktoriánském Londýně. Umění pro umění vzniklo jako anglický překlad francouzského sloganu umění pro umění . V 60. letech 19. století tento koncept zpopularizoval Walter Pater , vlivný britský umělecký kritik. Jeho práce pomohla položit základy estetického hnutí, které sjednotilo různorodou skupinu avantgardních umělců, řemeslníků a básníků z viktoriánské éry pod heslem umění pro umění.

Art For Art’s Sake: Pozadí

Walter Pater byl známý používáním květnaté prózy ve svých esejích o dějinách umění a kritických recenzích umění a literatury viktoriánské éry. Jeho práce se často zaměřovala na touha po kráse, láska k umění pro umění, a často kázal, že nejlepší umění k vám přichází, když upřímně tvrdíte, že svým chvílím dáváte jen tu nejvyšší kvalitu, a to jednoduše pro tyto okamžiky. Tyto filozofie přímo odporovaly staletým tradicím prestižních Královská akademie umění a viktoriánské sociální normy.

Symfonie v bílém, č.III od Jamese Abbotta McNeilla Whistlera , 1865-67, přes Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

V Británii devatenáctého století diktovala mainstreamová kultura přísnou morálku. Umění se primárně používalo k vyjádření etických, politických, sociálních nebo náboženských poselství. Mezitím Královská akademie stále vyučovala hierarchii umění, která upřednostňovala Klasický a Vysoká Italská renesance předměty a styly. Estetické hnutí, postavené na konceptu umění pro umění, se snažilo toto vše svrhnout a trvalo na tom, že umělci by neměli ospravedlňovat svou práci nad její vnitřní hodnotu.

Právě v tomto kulturním kontextu přijali tvůrci v různých oborech umění pro umění jako své krédo, včetně Předrafaelské bratrstvo , malíři Estetického hnutí v čele s James Abbott McNeill Whistler , interiéroví designéři Hnutí umění a řemesel vedené William Morris , a básníci Tělesné školy v čele s Algernon Charles Swinburne . Všichni věřili, že jejich zvolenému médiu by mělo být umožněno existovat odděleně od jakékoli didaktické nebo utilitární funkce. V oblasti malby již nebyl předmět a vyprávění relevantní – přístup, který byl na tu dobu revoluční – a umění pro umění zrodilo vzrušující nový žánr umění, který zahrnoval příspěvky těchto čtyř významných umělců viktoriánské éry.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

1. James Abbott McNeill Whistler: Poetry of Sight

Šedočerná aranžmá č. 1 (Portrét umělcovy matky) od Jamese Abbotta McNeilla Whistlera , 1871,přes Musée d'Orsay, Paříž

Whistler byl americký umělec, který se stal jedním z vůdců estetického hnutí. Ačkoli on nikdy zvláště vynikal v akademickém prostředí, Whistler studoval v Paříži podél impresionisté a poté se usadil v Londýně, kde se stýkal s umělci avantgardy viktoriánské éry. Díky těmto vlivům Whistler pomohl připravit cestu umění pro umění, aby se skutečně uchytilo.

Tvrdil to Walter Pater veškeré umění neustále aspiruje na stav hudby. Whistlera také přitahovala myšlenka, že hudba je nejpříkladnější formou umění pro umění. Je to proto, že hudební skladbu bez textu – a tedy bez definitivního vyprávění nebo tématu – lze ocenit pouze pro svou krásu. Whistler skutečně usiloval o dosažení tohoto efektu ve výtvarném umění a zašel tak daleko, že své obrazy nepojmenoval podle jejich námětů, ale hudebními termíny jako Harmonie , Dohoda , Nokturno , a Symfonie . Pokud jde o jeho nekonvenční styl pojmenování, vysvětlil Whistler , Jako hudba je poezií zvuku, tak je malba poezií zraku a předmět nemá nic společného s harmonií zvuku nebo barev.

I nechvalně známý portrét Whistlerovy matky je především estetickým uspořádáním barev a tvarů. Je jen hovorově známý jako Portrét umělcovy matky, zatímco jeho oficiální název — Aranžmá v šedé a černé barvě č. 1 —naznačuje, že obraz není nic jiného než estetická kompozice tlumených barev.

Nokturno: Modrá a zlatá — Starý most Battersea od Jamese Abbotta McNeilla Whistlera , ca. 1872-75, přes Tate, Londýn

Podobně Whistler často maloval scény mlžné řeky Temže v noci v sérii, kterou nazval Nokturna . Každý Nokturno vyznačuje se pozoruhodně plochou a jednoduchou kompozicí, monotónní barevnou paletou a širokými, průsvitnými tahy štětce. Konečným výsledkem je spíše snový vizuální efekt světla a barev než konvenční krajinomalba známého místa. Diváci viktoriánské éry byli šokováni zdánlivě nedokončeným vzhledem těchto obrazů a neurčitým tématem – natolik, že soudní spor následovalo.

2. Albert Moore: Leisurely Luxus

Snílci od Alberta Moora , 1882, přes Birminghamské muzeum a uměleckou galerii, Birmingham

Jako mladého umělce byl Moore fascinován antická socha . Strávil hodiny studiem a kreslením Elgin Marbles , sbírka starověkých řeckých soch z r Parthenon v Britském muzeu v Londýně. Jeho akademické schopnosti a Neoklasicistní styl mu poskytl výstavní prostor na Královské akademii umění – ale jeho zuřivá umělecká nezávislost mu nakonec zabránila v plné účasti po boku tradičnějších akademiků.

Moore je známý svými dekadentními kompozicemi ženských postav v různých stavech odpočinku a relaxace, typicky pózovaných v imaginárním a vysoce dekorativním klasickém prostředí. Na rozdíl od typu umění propagovaného Královskou akademií, Mooreovy obrazy neobsahují žádná historická vyprávění ani rozpoznatelná sdělení. Ženské postavy neexistují jako předmět, ale spíše jako jeden z mnoha prvků estetické kompozice. Jejich identity a dokonce i jejich výrazy obličeje jsou záměrně nejasné – ale umně ztvárněná těla, látky, textury a harmonické barevné palety demonstrují Mooreův talent pro kombinování nepřeberného množství dekorativních detailů, aby bylo dosaženo luxusního, a přesto nenuceného efektu.

Granátová jablka od Alberta Moora , ca. 1875, v Guildhall Art Gallery, Londýn, přes Art UK

Vlastně většina jeho obrazů, jako kupř Granátová jablka , jsou pojmenovány po krásných věcech, jako jsou květiny a ovoce, nebo denní doby a roční období. Tyto názvy nepopisují vyprávění ani téma, ani nevyvolávají nejpozoruhodnější objekty na obrazech. Místo toho zdůrazňují celkový dekorativní efekt, kterého chce obraz dosáhnout. Zatímco každá část Moorových obrazů představuje rozeznatelnou formu, všechny předměty a postavy jsou natolik abstrahovány od jakýchkoli identifikačních charakteristik, takže existují pouze pro dotvoření estetické kompozice, která je oblíbená pro její krásu – hlavní příklad umění pro umění.

3. Dante Gabriel Rossetti: Sensuous Portraiture

Denní sen od Dante Gabriela Rossettiho , 1880, přes Victoria and Albert Museum, Londýn

Jak malíř, tak básník, Rossetti je připomínán svými vysoce dekorativními portréty žen, z nichž mnohé mají poezii vepsanou na rámech nebo zahrnutou do kompozice. Rossetti byl zakládajícím členem prerafaelského bratrstva a jako takový byl přitahován ke středověkým zdrojům inspirace, které předcházely Raphael ,oblíbenec Královské akademie Starý mistr Renesanční malíř. Rossetti se také zajímal o experimentování s tím, co Walter Pater nazýval obrazová poezie, nebo umělecká díla, která dosahují úplného vyjádření kresbou a barvou, namísto vyprávěním příběhu.

Rossetti za svého života často veřejně nevystavoval díla, ale jeho pověst přesto rostla, když návštěvníci jeho ateliéru šířili informace o jeho odvážných inovacích. Proslul také tím, že dělal společnost různým ženským múzám. Rossetti byla specificky přitahována k ženám, které měly silné, hranaté rysy, objemné účesy a svůdnou přítomnost – v mnohém na rozdíl od Ideál viktoriánské éry jemného a prudérního ženství.

Políbil ústa od Dante Gabriela Rossettiho , 1859, přes Museum of Fine Arts, Boston

Políbil ústa byl úplně první Rossettiho typický portrét jedné postavy. Inspirováno stejnojmenným italským příslovím, jehož úryvek je ve skutečnosti napsán na zadní straně plátna, Políbil ústa zobrazuje Rossettiho múzu, modelku a někdy i milenku, Fanny Cornforth . Na tomto obraze se Cornforth a její okolí prolínají a vytvářejí estetický efekt – její nápadné oranžové vlasy, sametově zelené oblečení a zlaté doplňky splývají s květinovým aranžmá v pozadí a zdobenou textilií v popředí, obojí je nepřirozeně zploštělé. dále zdůraznit význam kompozice jako celku. Neexistuje žádné rozpoznatelné místo, příběh, osoba nebo časové období Políbil ústa — je to prostě předmět krásy.

4. Frederic Leighton: Klasicismus viktoriánské éry

Matka a dítě (třešně) od Frederica Leightona , 1865, přes Blackburn Museum and Art Gallery

Leighton byl komerčně úspěšný během svého života díky svému klasicky inspirovanému a akademicky vyškolenému stylu. Studoval malířství a sochařství ve Florencii a Paříži, poté se usadil v Londýně, kde se stýkal s různými umělci viktoriánské éry a navrhl opulentní sídlo pro něho. Na rozdíl od jiných umělců Aesthetic Movement, kteří se drželi na okraji londýnské umělecké scény, se Leighton stal řádným členem Královské akademie umění a dokonce sloužil jako její prezident. Tam byl schopen propagovat koncept umění pro umění zevnitř podniku.

Hořící červen od Sira Frederica Leightona , 1895, v Ponce Art Museum prostřednictvím Google Arts & Culture

Považován za největší obraz Leightonovy kariéry, proslulý Hořící červen byl znovu objeven v 60. letech 20. století poté, co po umělcově smrti zmizel z očí veřejnosti. Zatímco Hořící červen předvádí Leightonův akademický výcvik v lidské anatomii, nenápadně ohýbá pravidla reprezentace, aby využil ženskou postavu a zbytek scény spíše jako dekorativní nástroje než jako přesvědčivé iluze. Monumentalita ženské postavy je zdůrazněna prodloužením nohou, které přeplňují nábytek, a zveličením ohnivého odstínu a dynamického pohybu jejích drapérií, které jsou téměř k nerozeznání od jejích rozčepýřených vlasů.

Stejně jako pohodové ženy Alberta Moora, Hořící červen Odpočinek z ní dělá pasivní, možná dokonce neživou součást snové dekorativní scény – i když, kdyby se o to pokusila v reálném životě, její póza by pravděpodobně nebyla odpočinková. Přestože by Leighton dokázal dokonale namalovat lidskou postavu ustupující v trojrozměrném prostoru, Hořící červen ukazuje, jak jeho zájem o umění pro umění mohl inspirovat chápání klasicismu ne jako akademické techniky nebo historického odkazu, ale jako tvárné estetiky.

Legacy Of Art For Art’s Sake

Podle Jamese Whistlera Umění by mělo být nezávislé na všech klapačkách – mělo by stát samostatně a apelovat na umělecký smysl pro oko nebo ucho. Tím, že praktikovali společnou víru v umění pro umění – a odvážili se vykročit za hranice tradičního didaktického umění – tito čtyři malíři viktoriánské éry pomohli připravit půdu pro modernisté dvacátého století posouvat hranice umění na další desetiletí ještě dále.