9krát historie umění inspirovala módní návrháře

Linda Evangelista v róbě „Warhol Marilyn“ od Gianniho Versaceho, 1991; s šaty The Mondrian od Yves Saint Laurent, kolekce podzim/zima 1965; a šaty z resortní kolekce od Alexandra McQueena, 2013

V průběhu historie šly móda a umění ruku v ruce a vytvořily skvělý mix. Mnoho módních návrhářů si pro své kolekce vypůjčilo nápady od uměleckých hnutí, což nám umožňuje interpretovat módu jako formu umění. Umění nám slouží především k vyjádření myšlenek a vizí. Jako znamenitá óda na dějiny umění je níže devět nositelných uměleckých děl vytvořených vizionářskými módními návrháři20. století.

Madeleine Vionnet: Módní návrhářka, která usměrňovala starověkou historii

Okřídlené vítězství Samothrace , 2. století před naším letopočtem, přes Louvre, Paříž

Narodil se v roce 1876 v severní střední Francii. Madame Vionnetová byl znám jako architekt švadleny.Během pobytu v Římě byla fascinována uměním a kulturou řecké a římské civilizace a inspirována antickými bohyněmi a sochami.Na základě těchto uměleckých děl formovala svůj styl estetiky a kombinovala prvky řeckého sochařství a architektury, aby dala nový rozměr ženskému tělu. S její mistrovskou dovedností splývavé a šikmé střihové šaty , způsobila revoluci v moderní módě. Vionnet se často obrátil k uměleckým dílům jako okřídlené vítězství Samothrace za její kreativní kolekce.

Podobnost mezi mistrovským dílemhelénistickýumění a Vionnetova múza je zarážející.Hluboké přehození látky ve stylu řeckého chitónu vytváří vertikální pruhy světla stékající po postavě.Socha byla vytvořena jako pocta Nike, řecká bohyně vítězství a je obdivován pro své realistické zobrazení pohybu. Plynulá drapérie Vionnetova designu připomíná pohyb vlající látky, která lpí na těle Nike.Šaty mohou být jako živé bytosti s duší, stejně jako tělo. Jako Okřídlené vítězství Samothrace , Vionnet vytvořila šaty, které probouzejí lidské bytosti. Klasicismus, jako estetická i designová filozofie, poskytl Vionnet schopnost zprostředkovat svou vizi v geometrické harmonii.

Basreliéfní vlysové šaty od Madeleine Vionnet , fotografoval George Hoyningen-Huene pro francouzský Vogue, 1931, přes Condé Nast

Vionnet byl také fascinován moderními uměleckými směry, jako např Kubismus . Začala se začleňovat geometrické tvary do jejích výtvorů a vyvinuli jinou metodu jejich řezání, nazvanou bias cutting. Samozřejmě, Vionnet nikdy netvrdila, že vynalezla bias cut, ale pouze rozšířilo jeho použití . Když ženy na začátku 20. století dosáhly velkého pokroku v boji za svá práva, Vionnet bránila svou svobodu tím, že odstranila dlouhotrvající viktoriánský korzet z každodenního dámského oblečení. Proto se stala symbolem žen vysvobození ze sevření bustierů , amísto toho uvedla na trh nové, lehčí látky, které bylyplovoucí na ženských tělech.

Baví vás tento článek?

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...

Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu

Děkuji!

Valentino a Hieronymus Bosch

Zahrada pozemských rozkoší od Hieronyma Bosche , 1490 – 1500, přes Prado Museum, Madrid

Pierpaolo Piccioli je hlavním designérem Valentina. Náboženská umělecká díla ze středověkuho velmi oslovuje.Výchozím bodem inspirace je pro něj přechodný okamžik od středověku k severní renesanci. Spolupracoval se Zandrou Rhodes a společně navrhli inspirativní kolekci na jaře 2017. Piccioli chtěl propojit punkovou kulturu konce 70. let s humanismem a středověkým uměním, a tak šel zpět k jeho kořeny a renesance, nacházející inspiraci v Hieronyma Bosche malování Zahrada pozemských rozkoší .

Slavný holandský malíř byl jedním z nejpozoruhodnějších představitelé severní renesance v průběhu 16. století. v Zahrada pozemských rozkoší že Bosch maloval před reformací, chtěl umělec zobrazit nebe a stvoření lidstva, první pokušení s Adamem a Evou a peklo, předvídání hříšníků. V centrálním panelu se zdá, že lidé uspokojují své choutky ve světě hledajícím potěšení. Ikonografie Bosch vyniká svou originalitou a smyslností. Celý obraz je interpretován jako alegorie na hřích.

Modelky na dráze na módní přehlídce Valentino Spring Summer 2017 během Paris Fashion Week , 2016, Paříž, prostřednictvím Getty Images

V módní svět Obraz si získal oblibu, protože jeho motivy učarovaly různým módním návrhářům. Prolínání epoch a estetiky, Piccioli reinterpretoval Boschovy symboly prostřednictvím plovoucích průsvitných rób, zatímco Rhodes vytvořil romantické potisky a vyšívané vzory s jemným přikývnutím k původnímu uměleckému dílu. Barvy byly rozhodně součástí poselství, které chtěli módní návrháři předat. Kolekce plovoucích snových šatů je tedy založena na severní barevné paletě jablkově zelené, světle růžové a červenkavě modré.

Dolce & Gabbana a baroko Petera Paula Rubense

Venuše před zrcadlem od Petera Paula Rubense , 1615, prostřednictvím knížecích sbírek Lichtenštejnů, Vídeň; s Módní kolekce Dolce & Gabbana pro podzim/zimu 2020 nafotila Nima Benati , prostřednictvím webu Nima Benati

Peter Paul Rubens mistrně maloval ženy, s láskou, učeností a pílí .‘ Představil svou Venuše před zrcadlem jako konečný symbol krásy. Rubens výjimečně zobrazil její světlou pleť a světlé vlasy, které kontrastují s tmavou služebnou. The zrcadlo je konečným symbolem krásy , který rámuje ženu jako portrét a zároveň jemně zdůrazňuje nahotu postavy. Zrcadlo, které Amor drží pro bohyni, odhaluje odraz Venuše jako vyjádření sexuální touhy. Rubens, který byl jedním ze zakladatelů Barokní umění a jeho koncept, ve kterém jsou barvy důležitější než linie, ovlivnil několik módních návrhářů včetně Dolce & Gabbana. The Barokní styl se odchýlil od ducha renesance , opustil mírumilovnost a uhlazenost a místo toho sledoval eleganci, vzrušení a pohyb.

Peace Embracing Plenty od Petera Paula Rubense , 1634, přes Yale Center for British Art, New Haven; s Módní kolekce Dolce & Gabbana pro podzim/zimu 2020, nafotila Nima Benati , prostřednictvím webu Nima Benati

Módní návrhářiDomenico Dolce a Stefano Gabbana chtěl vytvořit kampaň, která vyzdvihne smyslnou, ale i romantickou stránku ženské krásy. Peter Paul Rubens byl nejvhodnějším zdrojem inspirace. Výtvory ikonického dua byly ve velké harmonii s uměním vlámského malíře. V této kolekci modelky pózovaly s velkou noblesou a vypadaly, jako by právě vyskočily z jednoho z Rubensových obrazů. Scenérie byla navržena tak, aby připomínala barokní zrcadla a detaily výšivek. Ladnost postav a paleta pastelových barev dokonale zvýrazňovaly brokátově růžové šaty. Volba módních návrhářů zahrnout různé modely ještě více podpořila typ postavy té doby. Křivky, které Dolce a Gabbana použily, šly proti diskriminaci různých typů postavy v módním průmyslu.

Portrét Anny Rakouské od Petera Paula Rubense , 1621-25, via Rijksmuseum, Amsterdam; s Modelka Lucette van Beek na dráze Dolce & Gabbana, podzim 2012 , kterou vyfotografoval Vittorio Zunino Celotto prostřednictvím Getty Images

Dámská kolekce Dolce and Gabbana Fall 2012 ukazuje mnoho charakteristik italské barokní architektury. Tato kolekce se dokonale shoduje s vysoce zdobenými vlastnostmi Sicilský barokní styl . Módní návrháři se zaměřili na barokní architekturu, jak je vidět v katolických kostelech na Sicílii. Referenčním bodem byl Rubensův obraz Portrét Anny Rakouské . V ní královský portrét , Anne of Austria je zastoupena ve španělské módě. Anny černé šaty jsou zdobené , s vertikálními pruhy zelené výšivky a zlatými detaily. Objímka ve tvaru zvonu, známá jako Španělský velký rukáv je také podpis ve španělském stylu, stejně jako nařasený krajkový límec. Umělecky navržené šaty a pláštěnky vyrobené z luxusních textilií, jako je krajka a brokát, ukradly přehlídku Dolce and Gabbana.

Historie umění a módy: Manýrismus El Greca a Cristobal Balenciaga

Fernando Nino de Guevara od El Greca (Domenikos Theotokopoulos), 1600, přes The Met Museum, New York

Christopher Balenciaga by se dal popsat jako skutečný módní mistr, který reformoval dámskou módu ve 20. Narodil se v malé vesnici ve Španělsku a přenesl podstatu španělské historie umění do svých současných návrhů. Během své kariéry byl Balenciaga ohromen Španělská renesance . Často hledal inspiraci u španělské královské rodiny a členů kléru. Balenciaga přeměnil církevní kusy a klášterní oděvy té doby na nositelná módní mistrovská díla.

Jednou z jeho velkých inspirací byl manýrista El Greco, známý také jako Dominikos Theotokopoulos. Při pohledu na El Greco's Kardinál Fernando Nino de Guevara , existuje podobnost mezi Cardinalovým pláštěm a Balenciagovým designem. Obraz zobrazuje španělského kardinála Fernanda Niño de Guevara z doby El Greca v Toledu. El Grecovy myšlenky byly odvozeny z neoplatonismu italské renesance a na tomto portrétu on představuje kardinála jako symbol Boží milosti . Manýrismus je přítomen po celém obraze. Je to patrné v protáhlé postavě s malou hlavou, v půvabných, ale bizarních končetinách, intenzivních barvách a odmítání klasických mír a proporcí.

Model na sobě červený večerní kabát od Cristóbala Balenciagy, Paris Fashion Week, 1954-55, prostřednictvím Google Arts and Culture

Balenciagova vášeň pro historické oblečení je zřejmá v tomto extravagantním večerním kabátu z jeho kolekce z roku 1954. Měl vize a schopnosti přetvořit tvary do současné módy . Přehnaný límec tohoto kabátu kopíruje pytlovitost kardinálovy pláštěnky. Červená barva v kardinálově oděvu symbolizuje krev a jeho ochotu zemřít pro víru. Živá červená barva byla slavným návrhářem považována za výjimečnou, protože často preferoval odvážné barevné kombinace a jasné odstíny. Jeho velkou inovací bylo odstranění pasu a zavedení plynulých linií, jednoduchých střihů a tříčtvrtečních rukávů. Tím Balenciaga způsobil revoluci v dámské módě.

Návrhář také představil rukávy v délce náramku, které ženám umožnily předvést své šperky. Během 60. let 20. století postupné zavádění žen do pracovního průmyslu Balenciaga měl myšlenku poskytnout pohodlí, svobodu a funkčnost ženám, které oblékal. Prosazoval volné pohodlné šaty, které byly v kontrastu s tehdejšími upnutými siluetami.

Symbolismus Alexandra McQueena a Gustava Klimta

Naplnění Gustav Klimt , 1905, přes MAK – Uměleckoprůmyslové muzeum, Vídeň; s Šaty z resortní kolekce od Alexandra McQueena , 2013, prostřednictvím magazínu Vogue

Rakouský malíř, mistr o Symbolismus a zakladatel Vídně Secese hnutí, Gustav Klimt poznamenal dějiny umění 20. století. Jeho obrazy a umělecká estetika jsou již dlouho an inspirace pro módní návrháře . Mezi jinými jako Aquilano Rimoldi, L'Wren Scott a Christian Dior byl návrhářem, který přímo odkazoval na Klimta, Alexander McQueen. V resortní kolekci pro jaro/léto 2013 navrhl unikátní kusy, které se zdají být inspirovány malířovým dílem . Při pohledu na splývavé černé šaty s opakujícím se zlatým vzorem nahoře – možná vás napadne konkrétní malba. McQueen přijal abstraktní, geometrické a mozaikové vzory v bronzových a zlatých tónech a začlenil je do svých návrhů.

V roce 1905 maloval Gustav Klimt Splnění , reprezentace páru zachyceného v něžném objetí, které se stalo symbolem lásky. Rakouský malíř je známý svými zlatými obrazy, ale také dokonalým spojením abstrakce a barev, které jsou v těchto dílech přítomné. Všechny mozaiky mají bohaté zlaté tóny s kaleidoskopickými nebo přírodními dekoracemi, které měly velký vliv na módu. Tento obraz je živý díky kontrastním geometrickým tvarům mezi oděvy obou milenců. Mužský oděv obsahuje černé, bílé a šedé čtverce, zatímco ženské šaty zdobí oválné kruhy a květinové motivy. Tímto způsobem Klimt mistrně ilustruje rozdíl mezi maskulinitou a ženskostí .

Christian Dior, The Návrhář snů, A Claude Monet Impresionistické obrazy

Umělcova zahrada v Giverny od Clauda Moneta , 1900, přes Muzeum dekorativních umění v Paříži

Zakladatel Impresionismus a jeden z největších francouzských malířů v dějinách umění, Claude Monet zanechal po sobě velké umělecké dílo. Monet využil jako inspiraci svůj dům a zahradu v Giverny a ve svých obrazech zachytil přírodní krajinu. Konkrétně v obraze jmen Umělcova zahrada v Giverny, dokázal manipulovat přírodní krajinu podle svých potřeb. Kontrast hnědé bahnité cesty proti zářivé barvě květin doplňuje scénu. Slavný impresionista si květ kosatce často vybíral pro jeho fialovou barvu, aby navodil efekt jasného slunce. Tento obraz je plný života, protože květiny kvetou a objímají jaro. Okvětní lístky růží a šeříků, kosatců a jasmínu jsou součástí barevného ráje vykresleného na bílém plátně.

Šaty Miss Dior od Christian Dior Haute Couture , 1949, přes Muzeum dekorativních umění v Paříži

Ve stejném duchu, Christian Dior , průkopník francouzské couture, udělal obrovskou stopu ve světě módy, která je cítit dodnes. V roce 1949 navrhl kolekci Haute Couture pro sezónu jaro/léto. Jedním z vrcholů této výstavy byla ikonická slečno Dior šaty, celé vyšívané okvětními lístky v různých odstínech růžové a fialové. Dior dokonale ilustroval dva světy umění a módy a do těchto funkčních šatů napodobil Monetovu estetiku. Trávil hodně času na venkově a kreslil své sbírky ve svých zahrada v Granville , stejně jako to udělal Monet. Tímto způsobem on definoval elegantní „Dior“ styl , začleňující barevnou paletu a květinové vzory Moneta do svých výtvorů.

Yves Saint Laurent, Mondrian a De Stijl

Složení s červenou, modrou a žlutou od Pieta Mondriana, 1930, přes Kunsthaus Zurich Museum; s Šaty Mondrian od Yves Saint Laurent , kolekce podzim/zima 1965, přes Met Museum, New York

Mondrian byl jedním z prvních umělců, kteří malovali abstraktní umění ve 20. století. Narodil se v Nizozemsku v roce 1872 a založil celé umělecké hnutí nazvané The Styl . Cílem hnutí bylo spojuje moderní umění a život . Styl, také známý jako neoplasticismus, byl formou abstraktního umění, ve kterém se za použití pouze geometrických principů a primárních barev, jako je červená, modrá a žlutá, kombinovaly neutrální (černá, šedá a bílá). Mondrianův inovativní styl z počátku 20. století přiměl módní návrháře replikovat tento čistý typ abstraktního umění. Nejlepším příkladem malby De Stijl je Složení s červenou modrou a žlutou .

Francouzský módní návrhář Yves Saint Laurent jako milovník umění začlenil Mondrianovy obrazy do svých haute couture kreací. Poprvé se inspiroval Mondrianem, když četl knihu o umělcově životě, kterou mu dala jeho matka k Vánocům.

Mondrian šaty v Muzeu moderního umění od Yves Saint Laurent, 1966, přes Khan Academy

Yves Saint Laurent dokonce řekl: ‘‘Mondrian je čistota a v malování nemůžete jít dál. Mistrovským dílem dvacátého století je Mondrian.

Návrhář ukázal své ocenění Mondrian ve své podzimní kolekci z roku 1965, známé jako Mondrianova sbírka . Inspirován malířovými geometrickými liniemi a výraznými barvami představil šest koktejlových šatů označil jeho ikonický styl a šedesátá léta obecně. Každý z Mondrian šaty se trochu lišily, ale všechny měly společný jednoduchý tvar do A a délku ke kolenům bez rukávů, která lichotila každému typu postavy.

Elsa Schiaparelli a Salvador Dalí

Tři mladé surrealistické ženy držící v náručí kůže orchestru Salvadora Dalího ,1936, přes The Dali Museum, St. Petersburg, Florida

Narodil se v roce 1890 v aristokratické rodině se sídlem v Římě. Elsa Schiaparelliová brzy vyjádřila svou lásku ke světu módy. Začala rozvíjet svůj revoluční styl inspirovaný futurismem, dadaista , a Surrealismus . Jak její kariéra postupovala, ona připojeno se známými surrealisty a dadaisty jako Salvador Dalí, Man Ray, Marcel Duchamp a Jean Cocteau. Dokonce spolupracovala se španělským umělcem Salvadorem Dalím. Jeho estetická a surrealistická absurdita udělala z Dalího nejslavnějšího malíře Surrealistické hnutí .

Šaty Slzy od Elsy Schiaparelli a Salvadora Dalího , 1938, přes Victoria and Albert Museum, Londýn

Jeden z největších spolupráce v historii módy byla historie Dalího a Elsy Schiaparelliových. Tyto šaty byly vytvořeny společně s Salvador dali , jako součást kolekce Schiaparelliho Circus z léta 1938. Šaty odkazují na Dalího malbu, na které zobrazuje ženy s roztrhaným masem.

Fotografie Salvadora Dalií a Elsy Schiaparelli , c.1949, přes The Dalí Museum

Pro surrealistické umělce, hledání ideální ženy bylo odsouzeno k nezdaru , protože ideál existoval pouze v jejich představách, a ne ve skutečnosti. Dalího záměrem však nebylo zobrazovat ženy realisticky, takže jejich těla nejsou vůbec esteticky příjemná. Schiaparelli chtěl experimentovat s touto hrou se skrýváním a odhalováním těla, čímž navodil iluzi zranitelnosti a odhalení. Slza-Illusion šaty byl vyroben z bledě modrého hedvábného krepu a tisk navrhl Dalí tak, aby připomínal tři ženy z jeho obrazu. Slzy odhalují růžovou spodní stranu látky, s tmavší růžovou odhalenou v dírkách.

Módní návrháři a pop art: Gianni Versace a Andy Warhol

Marilyn Diptych od Andyho Warhola , 1962, přes Tate, Londýn

The Populární umění éra byla pravděpodobně nejvlivnějším obdobím pro módní návrháře a umělce v dějinách umění. Andy Warhol byl průkopníkem kombinace pop kultury a vysoké módy, díky čemuž se stal ikonou symbol hnutí Pop Art . V šedesátých letech začal Warhol praktikovat svou typickou techniku ​​známou jako sítotisk.

Jedním z jeho prvních a bezpochyby nejznámějších děl byl Diptych Marilyn . Pro toto dílo se inspiroval nejen popkulturou, ale také historií umění a malíři abstraktního expresionismu. Warhol zachytil dva světy Marily Monroe, veřejný život hollywoodské hvězdy, a tragická realita Normy Jeane, ženy, která bojovala s depresemi a závislostí. Diptych posiluje živost na levé straně, zatímco na pravé straně mizí do temnoty a temnoty. V pokusu o představovat společnost konzumu a materialismu , zobrazoval jednotlivce spíše jako produkty než lidské bytosti.

Linda Evangelista v róbě „Warhol Marilyn“ od Gianniho Versaceho , 1991

Italský návrhář Gianni Versace měl a dlouhotrvající přátelství s Andym Warholem. Oba muži byli okouzleni populární kulturou. Aby si připomněl Warhola, Versace mu věnoval svou kolekci jaro/léto 1991. Na jedněch šatech byly Warholovy potisky Marilyn Monroe. Do sukní a maxi šatů zakomponoval pestrobarevné, sítotiskové portréty Marilyn a Jamese Deanových, které pocházely ze 60. let.