25 slavných obrazů: Vybraná mistrovská díla v muzeích
Montagne Saint-Victoire od Paula Cézanna (1887), Lovci ve sněhu od Pietera Bruegela (1565), Pohled na Toledo od El Greca (1596), Modrí koně od Franze Marca (1911).
Dozvídáme se o slavných obrazech, mistrovských dílech, od doby, kdy jsme byli docela mladí. I v tomto věku můžeme ocenit něco z krásy vytvořené formou a barvou. Při prozkoumávání muzeí a galerií získáváme vlastní vkus pro krásu, kulturní uznání a vlastní úvahy o tom, co je mistrovské dílo. Často nás naše průzkumy přivádějí zpět ke kanonickému mistrovskému dílu, které nyní můžeme ocenit v novém světle, v novém stavu mysli; teprve poté, co rozšíříme naše znalosti o tom, co dělá malbu mistrovskou.
Zde je 25 nejznámějších obrazů v muzeích
25. Oplakávání Krista Autor: Giotto
Oplakávání Krista od Giotta, 1305, Fresco, v kapli Scrovegni, Padova
Giotto's Bědování nám ukazuje nádherně choreografickou scénu truchlících kolem Kristova těla, zrcadleného anděly, kteří se zmítají v agónii na modrém nebi. Tato scéna je převzata z Giottovy fresky provedené v kapli arény v Padově v Itálii. Giotto zde porušoval zavedenou tradici malby, byzantský , a ohlašující úsvit Renesance . Jeho použití krajiny, kamenné zdi, vede oko dolů ke Kristu a žalem zasažené tváři Matky Marie.
Giotto rámuje Krista dvěma mohutnými postavami, které se k nám otočily zády, což je na tu dobu originální kompoziční počin a nabízí tento božský výjev jako něco velmi lidského. Můžeme se spojit s truchlícími díky tomuto intuitivnímu realismu, který Giotto vnesl do své fresky. Giotto podněcuje nový vizuální jazyk k vyjádření scén náboženského významu.
24. Zahrada pozemských rozkoší , Detail od Peklo Autor: Hieronymus Bosch
Zahrada pozemských rozkoší (Detail: Peklo) od Hieronyma Bosche , 1503-15, přes Prado Museum, Madrid
Baví vás tento článek?
Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního zpravodajePřipojit!Načítání...Připojit!Načítání...Chcete-li aktivovat předplatné, zkontrolujte svou doručenou poštu
Děkuji!Hieronyma Bosche Zahrada pozemských rozkoší je triptych ukazující postup z ráje do pekla. Obrazy pro každou sekci jsou velké a plné úžasných, překvapivých, imaginativních zařízení, nad kterými si historici umění lámali hlavu. Jak je vidět z tohoto detailu, plátno je plné záhad a záplavy scén, které diváka zaplaví. Boschovo umění vykreslovat jeho fantastickou vizi diváka vzrušuje a šokuje. Jeho surrealistické plátno je pokryto podivnými postavami, které diváka vtahují dovnitř.
Veselost a hrůza pekla jsou pro divákovu schopnost vytvářet smysly téměř neproniknutelné, ale přesto jsou naše emoce vyvolávány, jako bychom rozuměli. Víme, že vidíme peklo v celé jeho krvavosti a je hrozné v každém smyslu toho slova. Bosch dokázal vyjádřit hrůzu, odpor a úžas prostřednictvím nesoudržnosti.
23. Poslední večeře Autor: Jacopo Tintoretto
Poslední večeře Jacopo Tintoretto, 1592, v kostele San Giorgio Maggiore, Benátky
Tintoretto's Poslední večeře ukazuje nádherné zaujetí efekty světla ve spoře osvětleném interiéru. Tintoretto mění obvyklou perspektivu Poslední večeře vytvořit zajímavou kompozici. Můžeme myslet Leonardo da Vinci slavné vykreslení s použitím lineární perspektivy. Zde jsme vedeni osvětlením světla: stín vržený z krku sloužící ženy vede naše oko přímo k Ježíši Kristu.
Nádherní, vzdušní andělé se vynořují jako stoupající kouř, aby zaplnili místnost. Je to plátno plné pohybu. Tintoretto naplnil plátno svůdnou krásou, kterou aranžuje hra světla. Tintoretto vítá diváka ve scéně, kde Kristovo světlo stravuje a informuje naši vizi.
22. Lovci Ve Sněhu Autor: Pieter Bruegel
Lovci ve sněhu od Pietera Bruegela , 1565, přes Kunsthistorisches Museum Vienna
Bruegel s Lovci ve sněhu ustupuje daleko za vesnici pod vznešenými skalami pokrytými sněhem. Bruegel vytvořil nejednoznačnost ohledně hřejivého pocitu návratu domů a nedostatku jídla, se kterým se lovci, jak se zdá, vrátili. Vzdálení bruslaři si užívají toho, co jim zima nabídla, zatímco lovci v popředí spolu se svými vychrtlými loveckými psy čelili zimnímu běsnění.
Obraz v divákovi evokuje tuto vypravěčskou schopnost; žádá je, aby porozuměli dynamice života na vesnici. Bruegel však nenechal tento prvek ovládnout estetiku vesnice v chladné divočině. Bílá sněhová pokrývka zahaluje scénu s osamělými vránami usazenými na bezlistých stromech. Široké rozloze zimy vzdoruje vesnickým lidem, kteří se starají o plamen.
dvacet jedna. Pohled Na Toledo Od El Greca
Pohled na Toledo od El Greca , 1596, přes The Met Museum, New York
El Greco's ohromující malba nad Toledem nápadně předběhla dobu. Obrovské mraky se šplhají nad městem a šíří temnotu nad okolím. Vytváří také kulisu pro budovy, které stojí strnule ve srovnání s kartáčovanými keři v popředí. Řeka začíná těsně pod naším okem v pravém rohu a my po ní pokračujeme po mostě. V dohledu není nikdo, jen strohé mramorové budovy se krčí na kopci.
Toto je spíše symbolický než realistický pohled na město. Zdá se, že nám El Greco nabízí symbolickou reprezentaci našeho vztahu k božství, jak je viděno prostřednictvím přírody; ohromující mraky a plynoucí krajina. Cítíme, že mraky se blíží rozpoutání bouře, předtuch, kvůli kterým se město už plazí pryč ze svahu. Tento obraz krásně vyjadřuje symbolický význam mezi městem, jak ho vytvořil člověk, a božskou silou.
dvacet. Bacchův triumf Od Diega Velazqueze
Bacchův triumf od Diega Velazqueze, 1628, přes Museo del Prado, Madrid
Na tomto obraze Velazquez sloučil klasickou postavu Bakcha se současným španělským buřičem. Co dělá tento obraz zajímavým, je to, jak si umělec hraje s pozorností diváka. Jako bůh Bacchus odvrátí pohled, oba muži se vědoucně usmějí směrem k divákovi, šťastní, že se účastní tohoto bacchického obřadu. Ve skutečnosti nám tito dva muži připomínají lidi, které jsme mohli vidět v každé místní hospodě.
Velazquezův kontrast mezi klasickou postavou a obyčejnými lidmi je ostrý a zábavný. Bakchus se dívá jinam, zatímco korunuje prostého občana vavřínovým listem; dar vína a odreagování je pro každého. Zdá se, že pohledy těch dvou mužů vyzývají, usmívají se a říkají: jsi stejný jako já.
19. Noční můra Od Henryho Fuseliho
Noční můra od Henryho Fuseliho , 1781, přes Detroit Institute of Arts
Hrůza z noční můry je často doprovázena tíhou na těle; stres, který nějaký sen způsobil mysli a tělu. Fuseliho image to zvládá dát vizuální jazyk mukám a nepochopitelné povaze noční můry . Na břicho ženy sedí gremlin a paralyzuje ji. Je hodina čarodějnic. Černá klisna prostrčí hlavu závěsy s neprůhlednýma očima. Fuseli dává divákovi zázračný vizuální zážitek z iracionálního rámce noční můry.
Měkké šaty dámy jsou napjaté gremlinem, který sedí, trpělivý a nepoznatelný při svém hledání. Obrací se k tomu, že se na diváka dívá podivným pohledem, jako by mu vyčítal, že zneklidňuje jeho poslání. Fuseli's Noční můra ukazuje mimořádný výkon představivosti v přístupu k tomuto tématu a oživení něčeho, co bychom raději nechali za oponou.
18. Newton Od Williama Blakea
Newton od Williama Blakea , 1805, přes Tate, Londýn
Blake měl individualizovaný styl, který se odklonil od Neoklasicistní / Romantismus svého dne. Blakeovy obrazy jsou zpracovány se symbolikou a svůdnou jednoduchostí. Právě díky tomu jsou jeho obrazy tak podmanivé. v Newton Blake dokáže ukázat, proč cítil pohrdání velkým vědcem. Newton měří předmět podobný svitku, místo aby si byl vědom barvy za ním; je shrbený, měří, místo aby žil a všímal si krásy přírody, kterou nedokáže změřit.
Blakeovo použití klasického aktu v nedozírném prostředí (někteří komentátoři se domnívají, že je na dně moře) je způsob, jak tuto symbolickou myšlenku vyjádřit. Blake má jemně paralelní formy, aby nás varoval před otočením zády k náhodě a tajemství života. Newtonovy prsty roztažené jako kompas; jeho boky a záda se převalují jako svitek; zdá se, že svitek, který měří, vytéká z jeho vlastního těla, bez barvy a intrik.
17. Smrt Sardanapalu Autor Eugene Delacroix
Smrt Sardanapala od Eugena Delacroixe , 1827, přes Louvre, Paříž
Delacroix s Smrt Sardanapala vytváří v tomto obraze velkolepý rytmus použitím barev. Sytá červená začíná v levém horním rohu a rozlévá se diagonálně dolů. Delacroix použil tuto bohatou barvu k paralele s násilím, které zaplňuje scénu. Těla jsou roztažená, muž tahá za bohatě oděného koně, v popředí se tísní přepychové šperky, to vše pluje po této rudé řece.
Delacroix nenechal mnoho prostoru bez dozoru; přeplnil jej pohybem a drapérií, aby napodobil náladu obrazu. Divák je pohlcen tématem, dokud se nedostane ke stejnojmennému Sardanapalovi, ležícímu, v klidu pozorujícímu na posteli. Leží v příkrém kontrastu s událostmi v popředí. Je to muž, který spáchá sebevraždu poté, co všechny jeho rozkoše byly zničeny. Tento okamžik, který Delacroix zachytil, je drásavý i svůdný.
16. Snow Storm – Steam-Boat Off A Harbour’s Mouth Autor J.M.W. Soustružník
Sněhová bouře – Parní člun z Harbour’s Mouth od J.M.W. Soustružník , 1842, přes Tate, Londýn
Soustružník se ukázalo, že tímto impresionistickým ztvárněním sněhové bouře předběhl svou dobu. Na rozdíl od svých současníků se snažil emocionálně a vizuálně nakreslit dojem toho, jaké to je být ve sněhové bouři. To ho vedlo k průkopnictví rané formy abstrakce . Víření monochromatické barvy obklopuje diváka, zatímco krátký pohled na jasnost přetrvává jen nejistě uprostřed plátna.
Existuje příběh, který je nyní považován za apokryfní, že Turner byl během bouře připoután ke stěžni lodi, aby zažil násilí přírody. Je vidět, proč se tomu dalo věřit. Turnerovo vykreslení je intuitivní a dramatické, pulzuje energií a pohlcuje. Je to brilantní kompozice, která ukazuje lidskou neschopnost odolat extrémům přírody.
patnáct. Straka Autor: Claude Monet
Straka od Clauda Moneta , 1868, přes Musee D'Orsay, Paříž
Mnoho se podařilo zachytit zasněženou scénu klidu na tomto slavném obraze. Mezi zasněženými větvemi je vidět jen pár domů; před bránou se objeví pár kroků. Horizont je zakrytý sněhem, který pokrývá zemi, takže není vidět, kde začíná obloha. Monetova scéna je krásným dojmem, který dokáže konotovat pocity osamělé procházky za jasného zimního dne.
Straka sedí na plotě, jediná explicitní forma života na obraze. Není žádný důvod, proč to Monet maloval, kromě toho, že ho to dojalo. Tato scéna přírody nás může pohnout díky inherentnímu estetickému cítění, které se v nás pohybuje. Monet nemusí sahat po nějakém vyšším symbolickém významu, protože všechno má přímo před sebou.
14. Ulička Topolů Od Alfreda Sisleyho
Ulička topolů od Alfreda Sisleyho , 1890, přes, Musee D’Orsay, Paříž
Toto jemné ztvárnění pruhu topolů na tomto slavném obraze láká diváka použitím ortogonálních linií. Sisley Zdá se, že nás zve alejí mezi stromy poseté světlem. Dvě postavy se vydávají na cestu a nevěnují pozornost této nádherné třídě, kterou nám Sisley zpřístupnila. Sytá barva vydávaná světlem postupně tmavne směrem k úběžníku.
Vlevo teče řeka a dále v dálce je vidět pár domů. Sisley namaloval tuto nádherně ambientní, světlem zalitou scénu meditativní pohody. Není tu žádný spěch, žádné zběsilé davy energie, ale relaxační procházka alejí stromů. Stíny se prodlužují a naznačují, že den se chýlí ke konci, možná na čas klidného rozjímání. Sisley objednal své plátno s drobným jemným štětcem a zdá se, že barvy splývají jedna v druhou a vytvářejí bohatý svět tiché krásy.
13. Montagne Saint-Victoire S Velkým Borovice Od Paula Cézanna
Montagne Saint-Victoire s velkou borovicí od Paula Cézanna , 1887, přes The Courtauld Institute of Art, Londýn
Cezanne úžasně ztvárnil tuto scénu vytvořením barevných polí, aby vytvořil malbu neuvěřitelné hloubky. Cézanne trávil velké množství času snahou porozumět prostředí, ve kterém maloval, a snažil se pochopit, jak malovat to, co vnímal. Můžeme rozeznat formy pod horou jako pole a domy, ale při bližším prozkoumání se zdá, že se prvky každého prolínají a srážejí.
Je součástí Cézannovy krásné estetiky, která působí dojmem forem přicházejících do zorného pole, jako když zpracováváme naše prostředí a díváme se. Naše zaměření se snaží pojmout celek, ale dokážeme detailně specifikovat, místo toho vidíme mlhavé dojmy a prolínání barev všude kolem nás.
12. Pšeničné Pole S Vránami Od Vincenta Van Gogha
Wheatfield with Crows od Vincenta van Gogha , 1890, přes Van Goghovo muzeum v Amsterdamu
Van Gogh namaloval děsivou scénu. Vrány na tomto slavném obraze, pouhé dva nebo tři tahy štětcem, buď opouštějí, nebo se vracejí do pšeničného pole. Zdá se, že černá noci pomalu pohlcuje modř dne; cesta se vine mimo dohled. Van Goghův malířský styl dokáže tak dobře působit na formu, že víme, na co se díváme, a zároveň se zdá, že barvy vyjadřují více, než znamenají.
Van Goghovo mocné použití barev a jeho metoda malby spolupracují na vytvoření emocionálně nabitého obrazu. Temnota, která prosakuje modrou oblohou, nám říká o hrozící katastrofě; vrány jsou jako rostoucí úzkost. Van Goghova silná emocionální rezonance s jeho tématem vytváří tuto přitažlivost expresionismus která proměňuje přírodní krajinu v emocionální.
jedenáct. Tahitská krajina Od Paula Gauguina
Tahitská krajina od Paula Gauguina , 1891, přes Minneapolis Institute of Art
Gauguin Slavný obraz vnáší do umění konce devatenáctého století svěží živost. Sytá barva vytváří nádhernou melodii. Gauguin zvládl teplo z antirealistického barevného schématu a v tomto smyslu je obraz realističtější pro tento experimentální dotek. Osamělá postava nese nějaké zásoby, zatímco pes čeká u cesty. Žluté pole je proloženo bohatou gradací zelené a oranžové. Barvy přinášejí divákovi slunce.
Gauguin se cítil otrávený Francií a odcestoval na Tahiti, aby oživil svou radost z malování a oživil svou schopnost vyjadřování. V této pulzující krajinné scéně můžeme vidět, že Gauguin nabízel alternativu k přirozené malbě malováním tímto expresivním způsobem. Krajina je touto novou metodou nejen esteticky příjemná, ale obraz začíná působit jako symbol volné expresivity, neomezené řízenou naturalismus .
10. Růžový oblak, Antibes Autor: Paul Signac
Růžový oblak, Antibes od Paula Signaca , 1916, přes Museum of Fine Arts v Bostonu
Signac styl připomíná mozaiku ve svých jemně smíšených barvách. Je to téměř dokonalá abstrakce od přírody a zároveň patřící k oné impresionistické náladě, která ví, že tento příjemný obraz už nikdy nebude existovat. Signacův mrak je poslem slunce; drží světlo a šíří ho po plátně v krásném zobrazení. Jediná plachta je zakrnělá svou velikostí a snadno se unáší ve svém odrazu.
Signacův pointillist technika umisťuje nepatrné oblasti barev vedle sebe, aby byly paralelní s gradacemi barev, které vidíme v přírodě; jak náš mozek zpracovává účinek světla a barev. Signac zmrazí tento okamžik v čase, aby jej znovu vytvořil jako přirozenou vzpomínku, kterou můžeme mít na osamělou plachtu.
9. Oddělení Autorem je Edvard Munch
Oddělení od Edvarda Muncha , 1896, přes Munchovo muzeum, Oslo
Žvýkat měl pronikavou schopnost vyjádřit vnitřní drama nejen individuální úzkosti, ale i vášní, které mezi dvěma jednotlivci existují. v Oddělení Muž se sesune a sevře si srdce, které se mu jakoby vylilo na ruku – musí ho držet na místě, aby zůstal naživu. Symbol ženy se nyní proměňuje v prostředí a stává se součástí pláže a nebe. Tento slavný obraz je nádhernou metaforou toho, jak vzpomínka na lásku přetrvává ve fyzickém světě.
Munchův malířský styl zdůrazňuje vnitřní emoce a to, jak tyto vnitřní emoce reagují se světem kolem nás. Munch nemusí studovat přesnost barev nebo formy, aby ukázal, co si přeje. Maloval v blokových barvách, což divákovi poskytlo tyto zřejmé postavy. Většinu muže chápeme jen podle několika detailů obličeje; jde spíše o barvu. Poněkud ‚nedbalé‘ nanášení barvy k tomuto přímému a silnému pocitu oddělení přispívá.
8. Improvization 28 (druhá verze) Autor: Wassily Kandinsky
Improvization 28 (druhá verze) od Wassily Kandinsky , 1912, přes The Guggenheim Museum, New York
Kandinského abstrakce byly ve dvacátém století velmi vlivné. Ukázala estetickou kvalitu, že malba nemusí mít předmět, který by vyvolal emoce a meditaci. Kandinského název pro tento slavný obraz, Improvizace, připomíná svým divákům určitou muzikálnost, kterou se snaží napodobit barvou a linií. Kandinskij si musel být vědom přirozeného vytváření smyslů, z něhož se skládá vnímání. v Improvizace 28, dokážeme rozeznat tváře, oči, krajinu, domy bez jakéhokoli souvislého prostoru. Formy, které vidíme, jsou ve skutečnosti pouze linie a barvy, o kterých předpokládáme, že jsou tyto známé věci.
Kandinsky žádá diváka, aby ocenil skladbu, jako člověk oceňuje hudební dílo. Je to, jak člověk cítí harmonický pohyb skladbou, kontrasty sekcí a dynamiku zvuku. Krásu můžeme najít také v linii a barvě bez jakéhokoli koherentního „významu“ nebo předmětu.
7. Velké modré koně Od Franze Marca
Velké modré koně od Franze Marca , 1911, přes Walker Art Center, Minneapolis
Franz Marc kompozice je kaskáda forem. Jemnost, s jakou složil koně a zrcadlí se v prostředí, vytváří harmonii hodnou hudby. Marc získá hodně, ale jeho antirealistické zbarvení. Modří koně jsou klidní, majestátní, téměř nebeští. Jejich pasoucí se hlavy navozují pocit lehkosti a pohodlí, pohoštění a pospolitosti. Srovnání základních barev se setkává s divákem v uklidňující expresivitě.
Franz Marc dokázal vyjádřit klid přírody bez naturalismu. Slonovinové stromy protékají plátnem. Nic na tomto obrázku nevypadá trhaně nebo řezavě. To vše proudí v této smyslné barvě vytvářející jednotu formy. Tato jednoduchá scéna pasoucích se koní byla přeměněna v harmonické zhodnocení přírody Marcovým použitím barev v tomto slavném obraze.
6. Úzkostlivá cesta Autor: Giorgio De Chirico
Úzkostlivá cesta od Giorgia de Chirica , 1913, přes MoMA, New York
Chirico Jeho klaustrofobní kompozice mate náš pohled na věc jako úzkostná mysl, která si příliš všímá. Prázdnota na tomto slavném obraze, přestože plátno je plné forem, je však pozoruhodné svým účinkem. De Chirico je dobře známý pro svůj záhadný styl a zde vidíme proč. Vlak vyfukuje kouř za krátkou cihlovou zdí, jako by byl netrpělivý. Síla a pohled na vlak jsou zlověstné a připomínají divákovi šelmu v kleci.
De Chirico byl zdrojem vlivu pro Surrealisté který se cítil jako jejich předchůdce ve své schopnosti zobrazovat niterné stavy mysli. Jeho kolonády ve stínu jsou ponořené do tajemství, předtuchy a osamělosti. Pořadí plátna je přísné a omezující. S architektonickými formami se de Chiricovi podařilo vyvolat něco z nitra.
5. Dynamika Cyklisty Autor Umberto Boccioni
Dynamismus cyklisty od Umberta Boccioniho, 1913, ve sbírce Peggy Guggenheimové, Benátky
Boccioniho Futurista malba je chválou pohybu a rychlosti. V cyklistovi, který byl abstrahován do řady forem, je něco nádherného. Hodně jako kubistické Boccioni si hraje s tím, jak vnímáme formu, když je v pohybu. Jde o prolomení přísných forem racionálního prostoru a vstup do nového prostoru, kde jsou formy destabilizované a úžasné.
Boccioni barva dodává tomuto pocitu rychlosti; vytváří estetiku z pohybu. Modrá v pravém horním rohu rychle přechází do středu, kde je kompenzována zlatožlutými. Modrá je dále zachycena tváří muže, kterou lze rozpoznat pouze podle obecných čar. Bílá vyzařuje z pulzujících žlutých, fialových a modrých jako vlak odhazující kouř, ačkoli jsou to jen kola. Boccioniho cyklista je odhodlaný a krásný, což nám dává nové vizuální ocenění rychlosti.
Čtyři. Milenci Autor: René Magritte
Milenci od René Magritte , 1928, přes MoMA, New York
Magritte byl mistrem hravosti a jde ve stopách de Chirica pro jeho nejednoznačnost a záhadné rezonance. Na tomto slavném obraze nás Magritte láká podivným obrazem dvou líbajících se milenců. Nikdy se nedotýkají, protože jejich hlavy jsou zabalené do bílých prostěradel. Co z toho můžeme udělat? Nemusíme si z toho nic dělat, i když mysl je na to zvyklá – je to o neschopnosti dvou jedinců se nikdy pořádně nevidět, rozumět si?
Magrittův vysoce realistický malířský styl vytváří dokonalou příležitost narušit tento realismus použitím záhady. Magrittův obrázek je vtipný. Polibek, který se zdá být tak vášnivý, dopadá na afekt. V obou milencích je důvěra, která dělá bílé prostěradla absurdnějšími. Magritte si užíval hádanky psychologie a filozofie a měl ohromující schopnost reprodukovat takové hádanky na plátno.
3. Guernica Od Pabla Picassa
Guernica od Pabla Picassa , 1937, přes Reina Sofía National Art Center Museum, Madrid
Picasso ztvárnění bombardování z roku 1936 Guernica je mocným symbolem zkázy. Picasso si uvědomil, že naturalismus by nevylíčil zkušenost teroru tak efektivně jako jeho kubistická metoda. Plátno na nás působí chaoticky a obtížně interpretovatelné; použití monochromatismu, volných, částečných forem a zkreslení postavy. Formy jsou uvnitř této jedné budovy zploštělé a fragmentované.
Realita destrukce zničila způsob reprezentace. Picasso se domnívá, že jakýkoli druh naturalismu by do plátna vložil rozum a umělost, což by narušilo smysl a sílu Picassa. Bombardování a ničení je fragmentace forem, která vyvolává chaos.
dva. Metamorfóza Narcisu Od Salvadora Dalího
Metamorfóza narcisu od Salvadora Dalího , 1937, přes Tate, Londýn
Dalího meditace o Mýtus o narcisech je nádherně přesný, ale nepolapitelný obraz. Dalí se zajímá o to, jak vnímáme a co ze svých vjemů děláme. Můžeme vidět, jak Dalí používá dvojí záběr, kdy vnímáme předmět jako něco jiného, než si uvědomíme, co to je. I když pro Dalího a další Surrealisté divili by se, které vnímání je ‚skutečné‘ a co nám říká naše nevědomí; jak klameme sami sebe.
Dalího malířský styl, který by nazval ‚ručně malovaná barevná fotografie‘, zahrnuje realitu i klam. Kamenná postava Narcise se promění v ruku držící vejce, která kvete narcis. Dalí staví do kontrastu plynoucí čas s vnímáním, skutečným nebo klamným, aby poskytl nové vizuální zkoumání mýtu o Narcisovi – mýtu, který má tolik společného s vnímáním. Jde o to, jak vnímáme sami sebe a jak nás vnímají ostatní.
1. Nighthawks Od Edwarda Hoppera
Nighthawks od Edwarda Hoppera , 1942, přes The Art Institute of Chicago
Hopper Zdejší slavný obraz připomíná de Chirica ve smyslu osamělosti vyvolané architekturou. Hopper se však rozhodl pro realismus k dosažení tohoto efektu. Velké okno zobrazuje několik lidí v noci pod umělým světlem a ulice venku působí chladně, prázdně a bez zvuku. Zdá se, že se dva muži u baru navzájem zrcadlí, žena v červeném vypadá prázdně a o bar se stará starý muž.
Je zde nepopiratelný pocit stagnace. Natolik, že to diváka zneklidňuje. Hopper povýšil laťku malého času tak, aby představoval něco přesvědčivého o lidském životě; o samotě a samotě; o čekání; o tom, jak trávíme čas v noci na samotě. Hopperův realismus to přináší silou. Zdá se, že omezený výhled, jako by byl zachycen, když šel kolem, zdůrazňuje tuto odlehlost individuality.
Zvědavost slavných obrazů
Když zkoumáme slavné obrazy, hledáme vlastní estetické cítění a to, jak to odráží naše vlastní chápání sebe sama a světa. Často se nám zobrazují slavné obrazy, které byly viděny v širším kulturním kontextu, aby navodily pocity krásy a zážitku, se kterými se všichni můžeme ztotožnit. Tyto obrazy se však někdy nepřibližují našim vlastním pocitům ze světa. Musíme se pustit do vlastního neoficiálního vzdělávání v malbě, abychom našli a ocenili svůj vlastní vizuální jazyk.